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10 coisas que você pode não saber sobre James Dean

10 coisas que você pode não saber sobre James Dean


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1. Ele foi criado principalmente por sua tia e tio.

Nascido em uma pequena cidade em Indiana, Dean logo se mudou com seus pais para Santa Monica, Califórnia, quando seu pai, um técnico de prótese dentária, foi transferido para um hospital lá. Mas aos 9 anos sua mãe morreu de câncer, e ele foi enviado de volta para Indiana para viver na fazenda de sua tia e tio. Daquele ponto em diante, ele raramente veria - ou mesmo falaria - com seu pai, a não ser por um breve período em que ele ficou na casa de seu pai enquanto frequentava o Santa Monica City College.

2. Graças a um acidente na infância, seus dentes da frente eram falsos.

Descrito por seu primo como "nunca alguém para ficar quieto", um jovem Dean teve seus dois dentes da frente arrancados enquanto balançava em um trapézio no celeiro de sua tia e tio. (Dean posteriormente embelezou a história, dizendo que os perdeu em um acidente de motocicleta.) Como um adulto, ele supostamente gostava de conhecidos surpreendentes removendo casualmente sua dentadura no meio de uma conversa.

3. Ele estabeleceu um recorde local de salto com vara.

Apesar de ser míope, baixo e magro, Dean foi um atleta de destaque em sua escola de ensino médio em Indiana, jogando beisebol, basquete e atletismo. “Ele era um jogador impetuoso e um bom competidor”, disse certa vez seu treinador de basquete a um repórter. "Ele era o que você chamaria de um rapaz do tipo americano bem-acabado." Dean se destacou particularmente no salto com vara, quebrando o recorde do condado na época em que se formou em 1949.

4. Seu primeiro trabalho profissional foi um comercial de refrigerante.

Dean atuou em várias peças do ensino médio e continuou atuando na faculdade, especialmente depois de se transferir do Santa Monica City College para a UCLA no outono de 1950. Pouco depois de ganhar um papel na produção da UCLA de “Macbeth”, um irmão de fraternidade bem relacionado trouxe ele junto para servir como figurante em um comercial da Pepsi-Cola. No dia seguinte, Dean filmou um segundo spot, no qual dançou ao redor de uma jukebox enquanto cantava um jingle de Pepsi. Tendo causado uma impressão favorável, o mesmo produtor o contratou para interpretar John the Apostle em "Hill Number One", um especial de TV que foi ao ar na Páscoa de 1951. Embora ele tivesse apenas algumas falas, aparentemente foi o suficiente para algumas garotas em um Escola paroquial de Los Angeles para formar seu primeiro fã-clube: a Sociedade de Apreciação James Dean do Imaculate Heart.

5. Dean estrelou em apenas três filmes.

Abandonando a faculdade para se dedicar em tempo integral à atuação, Dean conseguiu pequenos papéis em alguns filmes de Hollywood antes de se mudar para Nova York em outubro de 1951. Enquanto estava lá, ele apareceu em duas peças da Broadway e em vários programas de TV. No entanto, ele não teve sua grande chance até 1954, quando sua interpretação de um garoto gay doméstico na peça “O Imoralista” chamou a atenção do diretor Elia Kazan. Com a aprovação de John Steinbeck, Kazan escalou Dean para uma adaptação para o cinema do romance épico de Steinbeck, "East of Eden". Assim impulsionado ao estrelato, Dean filmou em seguida “Rebelde Sem Causa”, o único filme em que recebeu o maior faturamento, e “Gigante”, que co-estrelou Elizabeth Taylor e Rock Hudson. Mais filmes estavam em andamento, mas Dean morreu antes que pudesse fazê-los.

6. Dean foi o primeiro ator a receber uma indicação ao Oscar postumamente.

Cinematógrafos, compositores, escritores, uma atriz e uma figurinista receberam indicações póstumas ao Oscar, mas nunca como ator masculino até 1956, quando a interpretação de Dean do adolescente problemático Cal Trask em "Leste do Éden" lhe valeu a indicação de melhor ator. No ano seguinte, ele foi indicado novamente para melhor ator, desta vez por interpretar o rancheiro Jett Rink em “Gigante”. Ele não ganhou nenhum dos dois anos, no entanto, perdendo para Ernest Borgnine e Yul Brynner, respectivamente. Desde então, várias outras estrelas também ganharam indicações de melhor ator ou melhor ator coadjuvante após suas mortes, incluindo Spencer Tracy e Heath Ledger, mas Dean continua sendo o único com duas indicações póstumas.

7. Ele era um entusiasta de carros de corrida.

Amante da velocidade, Dean supostamente usou parte de seu adiantamento “Leste do Éden” para comprar um conversível vermelho e uma motocicleta. Em março de 1955, ele começou a competir em corridas de rua, guiando um Porsche Super Speedster branco ao segundo lugar em sua estreia em Palm Springs, Califórnia. Enquanto trabalhava em “Giant”, o estúdio o proibiu contratualmente de correr. Mas ao terminar o filme, ele trocou o Speedster por um Porsche 550 Spyder ainda mais potente, que apelidou de “Pequeno Bastardo”.

8. Ele foi multado por excesso de velocidade duas horas antes de sua morte.

Na tarde de 30 de setembro de 1955, enquanto Dean dirigia seu novo Porsche Spyder para uma corrida de rua em Salinas, Califórnia, um policial o multou por ir a 105 km / h em uma zona de 55 km / h. Pouco mais de duas horas depois, um Ford Tudor sedan colidiu com Dean no cruzamento da atual Rodovia 46 com a Rodovia 41, a cerca de 80 milhas de Bakersfield. Dean, que quebrou o pescoço e sofreu graves ferimentos internos, foi declarado morto na chegada a um hospital próximo. Até hoje, não está claro se ele estava em alta velocidade no momento. O júri de um legista concluiu que o acidente foi acidental "sem intenção criminosa".

9. Dizem que seu carro está amaldiçoado.

George Barris, um famoso personalizador de automóveis que trabalhou no Porsche Spyder de Dean, afirmou ter comprado o carro após a morte do ator. Mais tarde, ele disse que quando chegou em sua loja, rolou de um trailer e esmagou as pernas de um funcionário, e que confusão e mistério continuaram a segui-lo por anos depois. Barris afirmou, por exemplo, que um ladrão escorregou e quebrou o braço ao tentar fugir com o volante e que quem comprou as peças do Porsche acabou em acidentes fatais. Enquanto isso, o mecânico de Dean, que estava sentado ao lado dele no momento do acidente, morreu em um acidente ao dirigir embriagado em 1981, após várias tentativas de suicídio. Embora a lenda da maldição viva, a maioria dos especialistas em Dean duvida da veracidade das declarações de Barris. O paradeiro atual do carro permanece desconhecido.

10. Ele namorou brevemente uma atriz de "Seinfeld".

Nos anos desde sua morte, muitos homens e mulheres professaram ter relacionamentos românticos com Dean. Uma dessas afirmações foi cortesia de Liz Sheridan, mais conhecida por interpretar a mãe de Jerry Seinfeld no programa de TV "Seinfeld", que escreveu um livro de memórias de 2000 intitulado "Dizzy & Jimmy: My Life with James Dean: A Love Story". De acordo com o livro, Sheridan e Dean se conheceram em Nova York em 1951, logo foram morar juntos e a certa altura estavam noivos para se casar.


10 coisas que você provavelmente não sabia sobre F. Scott Fitzgerald

Pesquisado cuidadosamente e um prazer de ler, historiador David S. Brown & rsquos Paraíso perdido: uma vida de F. Scott Fitzgerald é uma biografia persuasiva e original que irá atrair fãs de Fitzgerald e historiadores culturais. Brown compartilha alguns fatos pouco conhecidos da biografia.

Todo mundo conhece F. Scott Fitzgerald. Ele é lembrado de várias maneiras como o & ldquo Grande Sonhador Americano & rdquo, o autor de O Grande Gatsby, e o homem que cunhou a frase & ldquoJazz Age. & rdquo Fitzgerald foi uma celebridade literária naquela indústria duvidosa & rsquos infância e pouco que ele - ou sua esposa Zelda Sayre - fez estava fora dos limites. Ainda assim, ele manteve alguns segredos para si mesmo. Aqui estão alguns fatos da minha biografia, Paraíso perdido: uma vida de F. Scott Fitzgerald, que você pode não saber:

1. Fitzgerald escreveu o & lsquogreat romance americano & rsquo na Europa. Em maio de 1924, Scott Fitzgerald, sua esposa Zelda e sua filha de dois anos, Scottie, embarcaram no SS Minnewaska em Nova York com destino a Cherbourg, França. Nos meses seguintes, enquanto em Paris, Riviera e Itália, Fitzgerald escreveu O Grande Gatsby, considerada como uma história essencialmente & ldquoAmerican & rdquo que levanta sérias questões sobre a mitologia de autoajuda country & rsquos. O clima crepuscular do romance pode ter sido sugerido por seu autor e sua estadia na Europa. O continente estava emergindo lentamente dos horrores da Primeira Guerra Mundial.

2. Fitzgerald queria ser poeta. Enquanto estava em Princeton, Fitzgerald escreveu vários poemas. Ele foi inspirado por Keats, encorajado por seu colega de classe John Peale Bishop, e queria se tornar o americano Rupert Brooke, o jovem poeta britânico que morreu em 1915 enquanto a caminho do desembarque em Gallipoli. Em 1917, enquanto estava no exército, Fitzgerald presumiu que teria uma morte gloriosa na batalha e desejou deixar para trás uma declaração geracional definitiva. Mas ele achou impossível construir sobre seus poemas colegiais em uma atmosfera do exército e, em vez disso, voltou-se para um romance que, depois de muito retrabalhado, foi publicado em 1920 como Este Lado do Paraíso.

3. Fitzgerald escreveu uma peça que bombardeou. No início dos anos 1920, Fitzgerald trabalhou em O vegetal, uma peça que satirizou a mania de avanço da América e do Rsquos. O & ldquoVegetable & rdquo em questão, Jerry Frost, anseia por ser um carteiro. Ele fica tenso uma noite e sonha que é presidente. Na verdade, ele não quer ser presidente nem um poodle - ele apenas pensa que deve quer ser presidente em uma cultura obcecada por poder, dinheiro e mobilidade. O olhar cético de Fitzgerald e rsquos para o sonho americano nesta peça não o tornou querido do público. A peça estreou no Atlantic City & rsquos Apollo Theatre em novembro de 1923 e morreu em uma única apresentação desanimadora.

4. Jay Gatsby tem uma semelhança com o avô materno de Fitzgerald e rsquos. Philip Francis McQuillan emigrou aos oito anos do condado de Fermanagh, Irlanda, em 1842, estabelecendo-se com sua família em Galena, Illinois. Como Gatsby, McQuillan se desenraizou e se reinventou. Ele se mudou em 1857 para St. Paul, capital do Território de Minnesota, onde mantinha contas para o Beaupre & amp Temple, um estabelecimento de atacado de mercearia. Aos 38, ele assumiu o negócio e rapidamente juntou uma fortuna. Tendo passado da pobreza de imigrantes para a prosperidade da era industrial, ele morreu jovem (apenas uma semana depois de seu aniversário de 43 anos), sofrendo de nefrite crônica agravada pela tuberculose. Ele deixou um legado de $ 270.000, cerca de $ 6 milhões em dólares atuais.

5. Fitzgerald frequentou, mas nunca se formou em Princeton. Depois de dois anos em uma escola preparatória em Nova Jersey, Fitzgerald queria fazer uma faculdade no Leste. Princeton, com sua postura equilibrada e privilegiada de Ivy, o atraiu imensamente. Ele fez - e foi reprovado - no exame de admissão duas vezes antes de se reunir com o Comitê de Admissão do College & rsquos no que aconteceu ser seu aniversário de 17 anos e convenceu-se a entrar na escola. Nos quatro anos seguintes, ele negligenciou seus estudos, dedicando suas melhores energias para escrever para uma série de publicações no campus e redigir as letras de um musical apresentado pelo Princeton University Triangle Club. No inverno de 1917, prestes a ser reprovado na escola, Fitzgerald deixou a faculdade para ingressar no Exército.

6. O pai de Fitzgerald e rsquos ajudou os soldados confederados durante a Guerra Civil. Edward Fitzgerald cresceu na área do condado de Rockville / Montgomery, em Maryland, que, devido ao tabaco e à economia escravista, favoreceu a Confederação durante a Guerra Civil. Aos nove anos, Eduardo remou espiões confederados pelo rio Potomac. Mais tarde, ele ajudou um membro do Mosby & rsquos Raiders a evitar a prisão e aplaudiu o exército de Jubal Early & rsquos enquanto ele expulsava as forças da União na Batalha de Monocracia nos arredores de Frederick. A conexão distante de Scott com Francis Scott Key, escritor de & ldquoThe Star-Spangled Banner & rdquo é freqüentemente observada, embora sua conexão confederada menos distante também tenha desempenhado um papel poderoso em moldar seu senso de história americana.

7. Scott e Zelda se casaram poucos dias após a publicação de seu primeiro romance. No primeiro sábado de abril de 1920, apenas oito dias após a publicação de seu primeiro romance, Este Lado do Paraíso, Fitzgerald casou-se com Zelda Sayre de Montgomery, Alabama. Foi uma cerimônia pequena e apressada na Reitoria da Catedral de São Patrício em Nova York. Três das irmãs Zelda & rsquos compareceram, mas nenhum pai estava presente e nenhuma festa ou recepção se seguiu ao serviço. Os Fitzgeralds passaram a lua de mel no Biltmore Hotel e Zelda passou a investir em um guarda-roupa novo e mais chique.

8. Zelda veio de uma família notável do sul. Como Fitzgerald, Zelda Sayre (batizada por sua mãe em homenagem a uma rainha cigana fictícia) poderia apontar para os laços familiares diretos com a antiga Confederação. Seu tio-avô, Jon Tyler Morgan, tinha sido um general confederado e mais tarde sentou-se no Senado dos EUA, seu avô materno, Willis Benson Machen, de Kentucky, atuou no primeiro e no segundo Congresso Confederado e, brevemente, no Senado dos Estados Unidos. O pai de Zelda & rsquos, Anthony Dickinson Sayre, foi juiz associado na Suprema Corte do Alabama de 1909 a 1931. A família de Zelda & rsquos mantinha uma pequena equipe doméstica e vivia no elegante lado oeste de Montgomery.

9. Fitzgerald queria escrever um matricídio. Seguindo O Grande Gatsby e rsquos publicação, Fitzgerald esperava escrever um romance social de peso em seu centro era para ser um assassinato - um matricídio. O famoso caso Leopold e Loeb (1924) envolvendo o assassinato de um menino por dois adolescentes em Chicago talvez sugerisse a trama. Diversamente chamado O menino que matou sua mãe, The World & rsquos Fair, e Nosso tipo, Fitzgerald poderia escrever apenas quatro capítulos. As necessidades financeiras persistentes o mantinham produzindo contos, enquanto o colapso de Zelda & rsquos em 1930 o levava em uma direção artística diferente.

10. O último cheque de royalties de Fitzgerald & rsquos foi de $ 13,13. Em agosto de 1940, Fitzgerald recebeu um cheque de royalties por um duplo azar de $ 13,13 quatro meses depois, ele morreu de insuficiência cardíaca aos 44 anos. Durante todo o ano, apenas cerca de 15 cópias de O Grande Gatsby tinha vendido. Dentro de uma década, entretanto, um & ldquorevival & rdquo do trabalho de Fitzgerald & rsquos começou a influenciar estudiosos e leitores, e Fitzgerald mudou-se para o cânone literário americano. Em 2013, sua editora, Scribner & # 39s, estimou que cerca de 25 milhões de cópias de Gatsby foram vendidos em todo o mundo - muito longe dos menos de 25.000 movimentados durante a vida de seu autor.


10 coisas que podem surpreendê-lo sobre a Constituição

Enquanto celebramos a Declaração da Independência e a fundação da nação, é um bom momento para pensar sobre a Constituição. Aqui estão 10 coisas que você pode não saber:

1 A Constituição restringe o poder dos governos federal, estadual e local, mas não de grupos privados. O governo não tem o poder de dizer o que você pode ou não dizer no local de trabalho, mas seu empregador sim.

2 De 1791, quando foi ratificada, até o século 20, a Declaração de Direitos restringia apenas o governo federal. Qualquer estado pode restringir esses direitos fundamentais. Em 1937, a Suprema Corte manteve a condenação por homicídio e a sentença de morte de um homem de Connecticut levado a julgamento duas vezes pelo mesmo crime, em violação da cláusula de dupla penalidade da 5ª Emenda. O tribunal disse que a emenda não se aplicava e o estado o executou.

No século 20, o tribunal finalmente começou a aplicar a Declaração de Direitos aos estados, mas o fez gradualmente: liberdade de expressão (1925), liberdade de imprensa (1931), liberdade de religião (1947), busca e apreensão na 4ª Emenda (1961), a cláusula de & quotcruel e incomum punição & quot na 8ª Emenda (1962), o direito da 6ª Emenda a advogado (1963), a cláusula de autoincriminação da 5ª Emenda (1964), o direito a um júri julgamento (1968), proteção contra dupla penalização (1969) e proibição de fiança excessiva (1971).

3 Quando o Congresso propôs a Declaração de Direitos e a encaminhou aos estados para ratificação, o que hoje conhecemos como 1ª Emenda foi listado em terceiro lugar. Ele assumiu sua posição exaltada apenas porque as duas primeiras emendas oferecidas pelo Congresso não foram ratificadas na época.

4 A 27ª Emenda, a última acrescentada à Constituição, foi proposta pelo Congresso em 1789 sem data de expiração. Ela não foi ratificada até 1992. De acordo com a emenda, se o Congresso conceder a si mesmo um aumento salarial, o aumento não poderá entrar em vigor até que os legisladores enfrentem os eleitores em uma eleição geral.

5 Se nenhum candidato presidencial obtiver a maioria dos votos eleitorais ou houver empate, a eleição é decidida pela Câmara dos Representantes. De acordo com a "regra da unidade" na Constituição, cada estado, independentemente do tamanho de sua delegação na Câmara, tem direito a um voto. A Califórnia tem 70 vezes a população de Wyoming, mas esses estados teriam participação igual na eleição do presidente.

6 O Congresso tem o poder de alterar a jurisdição de apelação dos tribunais federais, incluindo a Suprema Corte. Quase todos os casos que a Suprema Corte ouve são objeto de recurso de tribunais estaduais ou federais. (Alguns vão diretamente a ele sem serem considerados por um tribunal inferior). Assim, o Congresso pode remover todos os casos que tratam de aborto e outras questões polêmicas da pauta da Suprema Corte, desde que o presidente tenha assinado o projeto de lei ou que o veto tenha sido anulado.

7 O Congresso tem o poder de alterar quantos juízes atuam na Suprema Corte. Aumentou ou reduziu o número sete vezes. O tribunal começou com seis assentos e teve apenas cinco e até 10. Desde 1869, houve nove assentos no tribunal.

8 Os autores da Constituição preocuparam-se com o fato de o vice-presidente não ter nada a fazer, então eles fizeram dessa pessoa o chefe do Senado com o poder de desempatar votos. "Se o vice-presidente não fosse o presidente do Senado, ele estaria desempregado", disse Roger Sherman durante a convenção de 1787.

9 O vice-presidente, como presidente do Senado, pode presidir seu julgamento de impeachment. A Constituição diz que o Senado deve julgar todos os impeachments. Quando o presidente sofre impeachment, o presidente do tribunal fica no comando.

10 Durante grande parte da história do país, os membros do Congresso eleitos em novembro dos anos pares não prestaram juramento até março e não realizaram sua primeira sessão até dezembro seguinte, 13 meses depois de serem eleitos. A 20ª Emenda mudou isso em 1933. Agora os membros do Congresso tomam posse em 3 de janeiro, e sua primeira sessão começa naquele dia.

Richard Labunski é professor de jornalismo da Universidade de Kentucky e autor de & quotJames Madison e a luta pela declaração de direitos & quot.

Liberdade de expressão, reunião, religião, imprensa e o direito de petição ao governo

Sem aquartelamento de tropas em casas em tempos de paz

Sem buscas e apreensões irracionais

Processo devido e proteção de propriedade

Julgamento rápido e público por júri

Julgamento com júri em processos civis

Sem punição cruel e incomum

Enumeração de direitos não nega outros direitos do povo

Direitos reservados aos estados

Proteção igual perante a lei e devido processo legal

O direito de voto não deve ser reduzido por causa de raça, cor ou servidão anterior


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5 comentários mais recentes

Eddie. FINALMENTE você escreveu algo que eu conheço um pouco. ninguém menos que o maior artista do mundo, Dean Martin! Há mais de duas décadas, presido o "The Dean Martin Fan Center".

Na verdade, eu volto com Dino ao início de seus anos no Programa de Variedades da TV. Veja, comecei na adolescência como vice-presidente associado da NBC, onde Dean gravou o programa. Fizemos MUITOS shows nesses estúdios de Burbank. Rowan & Martin's Laugh-in, The Flip Wilson Show, The Tonight Show com Johnny Carson, The Midnight Specials, Hollywood Squares, Sanford & Son, Chico & The Man, The Elvis Comeback Special, todos os Especiais de Bob Hope, The Mac Davis Show . bem, você entendeu a ideia.

O único show que eu sempre uso para "ficar por aí" era o show de Dean. Ao longo de 9 anos (e mais 9 depois disso nos especiais do Celebrity Roasts), acho que só senti falta de estar lá UMA semana.

Enquanto todo mundo da minha idade gostava do "acid rock", eu gostava do Dean. Frank. Ella. Tony Bennett. Mathis. Steve Lawrence. Dean era o homem mais legal e engraçado que já conheci. Fale sobre verdadeiro talento! Eu nunca teria pensado que depois de todos esses anos, Dean ainda estaria "comigo" em espírito, trabalhando para manter sua "chama" viva.

Existem ainda mais coisas que as pessoas podem não saber sobre Dean. como se ele sempre fosse colocado no lado certo de suas estrelas convidadas porque ele estava tão acostumado a trabalhar nesse lado com Jerry. ou que ele organizou a primeira maratona de distrofia muscular com Jerry, naqueles anos dourados.

O smoking de Dean foi feito especialmente por Sy Devore com as golas sendo feitas um pouco mais altas e as mangas um pouco maiores para esconder as mãos grandes de Dean que ele machucou e espancou quando ele era um boxeador amador com o nome de "Kid Crochet".

Eddie. obrigado por escrever um artigo sobre Dean. Com o passar do tempo, é importante que a geração mais jovem saiba que homem realmente talentoso Dean Martin realmente foi! Mal posso esperar para ver o que você escreverá a seguir!


O interesse de James pelo transporte não para nos carros - tanto que, em 2006, ele retirou todas as paradas e ganhou uma licença de piloto após treinar no White Waltham Airfield em Berkshire. Possuir um avião próprio é uma coisa, mas como é flash ter uma placa personalizada nas asas? James 'é G-OCOK depois de sua frase de efeito' oh galo '. Que cara.

A carreira de jornalista de maio começou com a palavra impressa, mas em 1992 sua passagem pela Autocar chegou a um fim abrupto. Doente até os dentes de trás de montar o Road Test Year Book, nosso Jimmy decidiu ser criativo e soletrar uma mensagem secreta, ao longo das linhas de "isso é um pé no saco". Os leitores com olhos de águia tristemente viram e pensaram que tinham ganhado um prêmio. James recebeu seus documentos de caminhada, mas como forma de ser chutado, é um maldito legal.


5. A justificação pela fé afirma que as boas obras necessariamente decorrem da fé.

A doutrina da justificação pela fé exclui nossas obras de obediência à lei como meio ou causa de nossa justificação diante de Deus. Mas também afirma que atos de amor e boas obras necessariamente decorrem de nossa fé como fruto de nossa fé. Por exemplo, Paulo ensina que “em Cristo Jesus nem a circuncisão nem a incircuncisão valem nada, mas somente a fé que opera pelo amor” (Gálatas 5: 6). E Tiago ensina que nossa fé é “completada por” nossas obras (Tiago 2:22), concluindo que “uma pessoa é justificada pelas obras e não somente pela fé” (Tiago 2:24). Superficialmente, isso parece corrigir e até contradizer o ensino de Paulo sobre a justificação pela fé. Mas é melhor ver Tiago corrigindo uma deturpação do ensino de Paulo - uma que diria que nossas obras não importam de forma alguma (cf. Rom. 3: 8). Em contraste, James ensina que nossas obras são importantes. A fé genuína deve resultar em boas obras. Paulo também ensina que a justificação pela fé resulta na inclusão dos crentes gentios como parte do povo de Deus, o que leva ao meu próximo ponto:


6 O que significa TJ?

Thomas Jefferson. Você provavelmente se perguntou, talvez até tenha adivinhado. Seu sobrenome também foi inspirado na história --- Hooker é uma homenagem ao general da Guerra Civil Americana, General Joe Hooker, de acordo com o criador Rick Husky. Conhecendo o personagem de Hooker, o nome não poderia ser melhor para ele.

Hooker tem moral elevada, um forte senso de justiça e sua abordagem do trabalho policial é definitivamente estratégica, como a abordagem de um general seria. Considerando esses traços de personalidade, há algo de presidencial e de general em TJ Hooker.


10 coisas que você talvez não soubesse sobre o álbum Common & # 8217s Masterful Comeback & # 8216Be & # 8217

Depois de uma resposta morna ao experimental e eclético Circo elétrico , Common voltou à essência crua do MCing que o tornou um dos artistas de rap mais renomados do jogo. Ser é um composto de lirismo hábil, narrativa perspicaz e ethos afro-centrado. Mas, tão importante quanto, o álbum apresenta um pano de fundo sonoro comovente fornecido por Kanye West e J. Dilla.

Da linda introdução da faixa-título aos diversos singles - o contundente "The Corner" e o alegre "Go!" e o dramático "Testifique", - Ser é um álbum enxuto e impecável. Não houve saltos, com cortes profundos como "They Say", "Faithful", "Love is" e & # 8220Chi-City & # 8221 completando um dos melhores álbuns de rap dos anos 2000.

Em comemoração ao seu aniversário, desenterramos alguns fatos sobre a criação do retorno magistral do Common & # 8217s Ser. Aqui estão 10 fatos que você pode não saber Ser.

Be foi o primeiro álbum de Common depois de terminar com Erykah Badu

Common e Erykah Badu namoraram por vários anos. “Crédito da foto: M. Caulfield / WireImage for Essence Entertainment


Quando Common começou a escrever Ser, todas as áreas de sua vida estavam mudando. O todo-poderoso coletivo Soulquarian continuaria a trabalhar em projetos separados após Circo elétrico, seu álbum anterior, não foi tão considerado como seus trabalhos anteriores. De todas as mudanças que Common estava experimentando, seu rompimento público com a cantora de soul Erykah Badu pode ter sido o maior de todos. Os dois namoraram por vários anos e um dos singles de maior sucesso de Common & # 8217s, "The Light", foi dedicado a Badu. E em “Love Of My Life (An Ode To Hip Hop)” a dupla ganhou um Grammy. Mas quando o casal desistiu, isso definitivamente afetou o Common.

Em uma entrevista para a Ebony Magazine, Common lembrou: “Um dos trabalhos mais difíceis que fiz em mim mesmo foi após o término de um namoro. Com Erykah Badu, esse foi meu primeiro amor onde você está apenas aberto e flutuando. Quando nos separamos, eu tinha 27 ou 28. Eu estava confuso, apenas fazendo o que devia. Era difícil comer. Não foi culpa dela, o relacionamento simplesmente não deu certo. "

Be não significa “Before Erykah”.

& # 8220O álbum é intitulado Be porque a coisa mais difícil de fazer é ser você mesmo, & # 8221 Common disse na época. Crédito da foto: Gustavo Caballero / Getty Images


Houve um boato de que Common intitulou o álbum Ser com uma mensagem subliminar oculta. Foi alegado que Ser na verdade significava "Antes de Erykah".

Quando o AllHipHop perguntou se é isso que Ser representava, Common respondeu: “Não. O álbum é intitulado Ser porque a coisa mais difícil de fazer é ser você mesmo, embora muitos pensem que é o mais fácil que realmente não é. Ser é apenas existir, você não precisa se esforçar para fazer nada porque Deus deu a cada um de nós uma característica individual e única que é a essência de quem somos. Então Ser é exatamente isso, ser quem você é, onde quer que esteja. ”

Ser Foi gravado ao mesmo tempo que Registro tardio.

Kanye West foi produtor executivo de & # 8216Be & # 8217 enquanto trabalhava em seu segundo álbum, & # 8216Late Registration. & # 8217 Crédito da foto: Def Jam, Roc-A-Fella


Em seus álbuns anteriores, Common trabalhou com No I.D - que produziu a maioria de seus três primeiros álbuns - DJ Premier, J.Dilla, Questlove, James Poyser e D’Angelo. Mas em Ser, Comum ligado ao colega de Chicago Kanye West, que estava disparando para o estrelato. Surpreendentemente, Kanye foi o produtor executivo Ser enquanto trabalhava em seu próprio álbum do segundo ano, Registro tardio.

Kanye estava realmente comparando Registro tardio para Ser . Ao longo do processo, Kanye manteve um papel com as músicas de cada álbum, certificando-se Registro tardio poderia sair com Ser. ( Na verdade, & # 8220My Way Home & # 8221 deveria estar originalmente Ser.)

As táticas de West ajudaram a lançar dois dos álbuns mais marcantes dos anos 2000.

Ser Foi o primeiro lançamento de hip-hop da GOOD Music.

& # 8220Eu não apenas amo Kanye [West] criativamente e como um irmão, mas fazemos negócios com uma visão ”, disse Common na época. Crédito da foto: Johnny Nunez / WireImage via Getty

O momento não poderia ser melhor para Common, que estava fazendo a transição de sua antiga gravadora. & # 8221Não apenas amo Kanye criativamente e como irmão, mas estamos fazendo negócios com uma visão ”, disse Common. “Ficou claro a partir dos comentários de Common & # 8217s que essa visão significava sacrificar pelo sucesso. & # 8220Serei para sempre leal a Kanye porque estava entre as gravadoras quando começamos Ser , e ele produziu tudo antes de receber um cheque. & # 8221

Comum mais do que cumpriu sua parte do acordo com Ser que ganhou quatro indicações ao Grammy e, eventualmente, foi ouro.

& # 8220A comida & # 8221 foi originalmente destinada a outro artista


7. Parrack oferece o workshop gratuitamente

Ficamos impressionados com o fato de que Jim Parrack & # 8217s 120 productions & # 8217 workshop de atuação de 3 dias é oferecido aos participantes sem nenhum custo. A taxa de inscrição para inscrição simplesmente declara & # 8220não há pagamento & # 8221 Isso fornece aos atores promissores uma experiência valiosa que os ajudará a saber se este é o caminho certo para eles e também ensina um novo respeito pela profissão. Isso nos diz muito sobre Jim Parrack, incluindo o fato de que ele é uma pessoa generosa e generosa, que é apaixonada por atuar e deseja ajudar outras pessoas que compartilham esse amor pela arte.


10 coisas que você provavelmente não sabia sobre a era "Blurryface" de 21 pilotos

Não ganha muito com o Clique, mas houve muito que se desenrolou durante a era ‘Blurryface’ que mesmo o mais dedicado fã de vinte e um pilotos poderia ter perdido.

Você descobriu Dema no final do Blurryface era e seguiram junto com as cartas de Clancy. E com inúmeras teorias de videoclipes ao longo vinte e um pilotos'Carreira, está claro que não ganha muito com a Clique. No entanto, com o álbum de lançamento da banda completando cinco anos, pensamos em tentar.

Plenty desdobrou-se do pontapé inicial de “Fairly Local” para dois anos depois, quando o metafórico olho fechou na era. Veja abaixo algumas das coisas que você pode ter perdido (e vale a pena revisitar) durante o Blurryface era.

Leia mais: É aqui que vinte e um pilotos estão dando "Level Of Concern" sua estreia ao vivo

1. Eles escreveram a maior parte do álbum enquanto estavam na estrada.

TOP não estava perdendo tempo se preparando para o lançamento de seu segundo grande selo. Ainda cumprindo compromissos de turnê para Navio, a dupla equipou a sala dos fundos de seu ônibus de turnê como um estúdio de gravação. “Todas as noites, podíamos começar a interpretar duas pessoas diferentes - aquela pessoa que subia no palco todas as noites e, em seguida, aquela que voltava para aquela sala e começava a escrever canções”, Tyler Joseph contado Painel publicitário . “Então, fomos capazes de nos perguntar todas as noites, & # 8216O que gostaríamos que nosso set tivesse? & # 8217 Olhamos muito para a composição através do filtro da música ao vivo, então escrevemos tudo o que amamos e o que sentimos em nosso set ao vivo precisava. Olhando para trás neste novo álbum como um todo, você pode dizer que fomos muito influenciados dessa forma. ” O plano era buscar alguns produtores que se destacassem nos gêneros escolhidos. Para esse fim, Blurryface apresenta o trabalho do mestre do pop Ricky Reed ( Travis Mills , Meghan Trainor, Jason Derulo), Dr. Dre protegido Mike Elizondo ( Eminem , Mastodonte , Carrie Underwood), Mike Crossey ( o 1975 , LANY , YUNGBLUD ) e Tim Anderson ( Billie Eillish , Halsey , Solange Knowles).

2. Blurryface não é realmente um álbum conceitual do início ao fim

O primeiro lançamento do Fueled By Ramen Navio claramente impulsionou TOP para o universo rock. À primeira vista, parecia o título Blurryface foi um comentário sobre o quão rápido as coisas estavam acontecendo em Joseph e Josh DunDo mundo. Navegar em sua arte e nas demandas do mercado musical foi uma experiência totalmente nova para eles. So while it certainly looked and felt like a concept album, it was truly nothing of the sort.

“I wouldn’t say this was a concept album where a story begins with the first song and the last song ends the story” Joseph explained to AltPress in issue 323. “I describe [Blurryface] as a guy I met in a different dimension. This is gonna sound really dramatic, but that’s the way it is: He represents everything I am insecure about.

“For me, there are a lot of different areas I know I’m insecure about but I need to know how to react [to those things],” Joseph continues. “It helps me to give my insecurities a name and a seat at the table I can look across and address. He’s not a good guy, but he’s a guy I intend on conquering. He’s a guy I have to beat every day. The idea of creating something, making a song and having the courage to show someone that song is a form of defeating that insecurity. It helps me focus on areas of my life I don’t like.”

3. And “Lane Boy” is the song where Tyler Joseph broke character

The video for “ Lane Boy” is pretty on-brand for the Blurryface era. Joseph has the trademark black paint smeared across his hands and neck, and there are two people in hazmat suits in the white and red aesthetic of the album dancing in the background—a stint the band later took on the road. Despite this, it’s the one song where Joseph stepped away from the overall album concept to speak his mind. “I describe ‘Lane Boy’ as the moment where I broke character,” Joseph told AltPress. “Saying things that weren’t necessarily artistic or beautiful, but exactly what I wanted to say and exactly what I was feeling. I broke character and became a frustrated human. For a moment. I don’t imagine needing to say things like that anymore. I remember showing that song to some people and they said, ‘I don’t think you want to say that…’ And Josh said to me, ‘Let’s say it.’”

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4. Tyler Joseph discovered reggae in Amsterdam and was hooked.

Two songs from Blurryface , “Lane Boy” and “ Ride ,” feature a reggae influence amidst Joseph’s electronic pop stylings. When touring through Europe in support of Vessel , they were playing a club in Amsterdam with multiple stages. After TOP loaded out their gear, Joseph watched a reggae band’s set and became enchanted with the music. He couldn’t tell you who was playing that night, but the experience encouraged him to throw himself into the genre. He discovered bands such as Steel Pulse and thereby expanded his personal musical horizons. “I’ve taken it upon myself to really study reggae and understand it,” Joseph told AltPress in issue 323. “It has a way of moving a track forward that doesn’t seem forced musically. [Hearing reggae] for the first time reminded me of when I first heard the song that made me want to learn to play the piano: the wedding song, Pachelbel’s ‘Canon In D.’ I love the way those notes rub up against each other.”

5. Tyler and Jenna practiced the “Tear In My Heart” fight scene

The bridge in “Tear In My Heart” (“You fell asleep in my car/I drove the whole time…”) was based on Tyler driving long hours back to Columbus from a family vacation trip while his future wife Jenna slept, leaving him to deal with all the madness of traffic. Fittingly, Jenna also appears in the song’s video cleaning her husband’s clock. Director Marc Klasfeld gave the Josephs a 30-second choreographed clip of the fight scene and had them re-enact it. “It was really late at night when we got it,” Jenna remembers in AltPress issue 329. “I’m sure the people around our hotel were like, ‘What are they doing in there?’” At the actual shoot, Tyler told her not to worry and just go for it. “The very first time I had to fake-throw him, he just took it. There were definitely moments where I could feel that I hit him so hard. He definitely got bruised that day.”

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6. They made a video and got paid to hang out with their families

Upon Blurryface ’s release, the band were touring extensively. When it came time to create the video for massive hit “ Stressed Out ,” the duo had been feeling the homesickness. (Consider that lyric from “ Polarize ”: “ I wanted to be a better brother, better son/Wanted to be a better adversary to the evil I have done/I have none to show to the one I love.”) The band and creative director Mark Eshleman scheduled a window of time to return to Columbus to shoot the video, but more importantly, to be with their loved ones. “What’s sad is that right before this tour, our bus came and picked us up at my parents’ house,” Joseph told AltPress in 2015. “My mom said to me right before I got on the bus, ‘You can call me sometime if you want to.’ And I’m like, ‘ Mom ! You can call me!’ And she says, ‘I don’t want to bother you.’” The moment was not lost on Joseph.

7. The album packaging is meant to represent the many layers of Blurryface

In an age of streaming, physical media is often tossed to the wayside. However, if you were one of the few, the proud and the emotional who shelled out for a Blurryface CD or vinyl, then you probably already know this one. twenty one pilots recruited graphic artist Brandon Rike to bring their vision to life for the album’s packaging. Shortly after its release, Rike explained the inspiration behind it , which stemmed from conversations with Joseph. Rike got into the mind of Blurryface by way of Joseph’s descriptions and developed a multi-layered package. “You may buy the album in the store that looks seemingly simple, but as you explore it, you soon find out how conflicted and complicated it all is,” he explains. The artist also gave their Vessel era logo a revamp and kept the Skeleton Clique in mind, calling it “a simple ode to a dedicated fanbase.” Instead of the thick, connected bars, Blurryface ushered in thinner lines so fans could easily recreate it online: I-/.

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8. The band weren’t originally supposed to perform with A$AP Rocky at the VMAs

The one thing that all award shows have in common is “the get.” Who is the elusive superstar to come out of hiding? Who can you get to reunite? The most common get is the collaboration of artists you would’ve never considered. Producers invited TOP to perform at the 2015 Video Music Awards with a big-shot artist who was the new hotness at the time. The duo weren’t feeling the producers’ choice and respectfully declined. “There was an artist they mentioned, and we said ‘Thank you, but we’re going to pass. It doesn’t make sense for us for a number of reasons,’” Joseph told AltPress in issue 329. “And we thought that was it: We had blown our chance to play the VMAs—and it’s gone forever. But it was a good decision and it made sense.”

Decisions like this have been known to impact careers. The producers probably weren’t used to that kind of stance, so they went back to TOP suggesting A$AP Rocky . “I started diving into what he’s all about, and although it’s very different from what we’re coming from, there was a like-mindedness,” Joseph continues. “It was one of the favorite moments of my career. Not because of what everyone saw, but just the learning process of working with another artist and working with the politics of what it means to work on a stage that big.” What could’ve turned out as career suicide ended up being one of the most high-spirited performances of that night’s event.

9. There could have been a twenty one pilots “big band.”

While touring during the Blurryface era, Joseph revealed to AltPress that he once considered putting together an expanded version of twenty one pilots with some of his favorite musicians. The idea obviously didn’t come to fruition. However, fans got a glimpse of the possibilities when they collaborated with Mute Math no TOP X MM projeto. The moments of deconstruction the two bands created gave way to a six-piece band-blast version of “Heavydirtysoul.” This project may have influenced Joseph to explore his personal deconstructed versions of songs from Trench . Mute Math frontman Paul Meany adds another important reason for the collaboration. “Historically, both of our bands build shows on backing tracks,’” he told AltPress in issue 367. “The only caveat going into this—and it was quite liberating—was that there were no backing tracks for any of us. As a six-piece band, we were able to pull this off and make it sound as good as we could.”

10. It’s the first album to have every song certified by the RIAA and became the best-selling rock album of the decade

twenty one pilots aren’t exactly the Eagles (Tyler and Josh are so much cooler than that). But all the songs on Blurryface have been audited by the Recording Industry Association Of America to have achieved gold, platinum and/or multi-platinum status. The final certification of “Hometown” meant they were the first artist to achieve the coveted status, and then the Clique helped them do it again by getting every track off Vessel at least a Gold certification by July 2019 . With more than 100 million streams on each Blurryface track on Spotify, they’re also the first group to do that . Blurryface has sold more than six million copies making it the best-selling rock album of the decade . To quote the band’s pantsless Grammy’s acceptance speech: “Anyone from anywhere can do anything.”


10 things you didn’t know about Chitty Chitty Bang Bang

Chitty Chitty Bang Bang, the much-loved movie about the magical flying car starring Dick Van Dyke, celebrates its 50th anniversary on 16 December 2018. Here are 10 things you may not know about the classic movie, which was based on a book by James Bond author Ian Fleming.

1. Chitty Chitty Bang Bang is surrounded by tragedy

In April 1961, Ian Fleming, who was a heavy smoker and drinker, had a heart attack at the age of 53 and was ordered to convalesce. It was around this time that his eight-year-old son Caspar told him: “Daddy, you love James Bond more than you love me!” The author decided to show his affection for his only child – whom he nicknamed “003-and-a-half” – by writing in longhand a series of children’s stories he first called The Magical Car.

Fleming’s tales were about a flying car restored by Caractacus Potts, an inventor and retired naval commander. The title was later changed to Chitty-Chitty-Bang-Bang, which was based on the real cars Chitty-Bang-Bang 1, 2, 3 and 4 built by the eccentric motor enthusiast Louis Zborowski in the 1920s.

Fleming suffered another heart attack on 11 August 1964, following a long lunch at Royal St George’s Golf Club in Kent. He died the next morning, on his son’s 12th birthday. Fleming never got to see the printed versions of his children’s stories, which came out in October that year.

The death affected his son deeply (“Caspar hates me and talks of little but matricide. What shall I do?” his mother Ann wrote to novelist Evelyn Waugh). On 2 October 1975, aged just 23, Caspar killed himself, taking an overdose of barbiturates at his mother’s home in Chelsea. A forlorn note in his pyjama pocket read: “If it is not this time it will be the next.”

2. Roald Dahl’s script was rejected as a ‘piece of s**t’

Roald Dahl knew Fleming well, as both had worked in the same espionage circles during the Second World War. Having adapted the Bond novel You Only Live Twice for the screen, producer Albert “Cubby” Broccoli re-hired Dahl to write the screenplay for Chitty Chitty Bang Bang. It was a move that ended in acrimony and bitterness.

Dahl’s daughter Lucy has said that her father was open about the fact that he took the job just for the high payment, and hated the experience. In 1977, Dahl told O jornal New York Times “they took my script and never used a word”, adding that “directors are the writer’s curse”.

In a 1983 interview with o Twilight Zone magazine, he was asked about changes to his script. “Chitty Chitty Bang Bang was ghastly,” said the author. “Once you get a rotten director, or an egocentric director, you’re dead. But they pay a lot, so you take the money and run.”

According to the late director Ken Hughes, Broccoli called Dahl’s script “a piece of s**t” and asked him to rewrite the entire thing. Broccoli also decided not to invite Dahl to meet the Queen at the film’s premiere at London’s Odeon Leicester Square on 16 December 1968.

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“I don’t give a damn whether we met the Royal Family or not,” Dahl wrote to his agent Swifty Lazar, adding that what he did care about was Broccoli’s behaviour and the way they’d been treated. The letter, reproduced in Storyteller: The Authorized Biography of Roald Dahl, sees Dahl defending his “worthwhile script” and stating that the whole business had made him “very cross”.

The biggest bone of contention was how many of Dahl’s own creations remained in the film. Vulgaria, the place where kidnapped children are taken, and the character of the creepy, long-nosed, net-wielding Child Catcher do not appear in Fleming’s stories and were said to have been created by Dahl. In an article for Johns Hopkins University Press, however, the late Hughes was quoted as claiming he wrote “every f**king word” of Chitty Chitty Bang Bang’s script on his portable typewriter.

“The Child Catcher was my invention – his cage and everything,” insisted Hughes.

3. Phil Collins was an extra

Before making his name with Genesis, drummer and singer Phil Collins was a child actor. He landed the role of the Artful Dodger in a West End production of Oliver! and at 13 had a role as an extra in the Beatles film A Hard Day’s Night, although you never see his face.

At 16, he was cast as an extra in Chitty Chitty Bang Bang, as one of the Vulgarian children who storm the castle at the end of the film. His scene was edited out, because the director did not like the unsightly bandage near his eye.

“I can see why I wasn’t in the final cut,” Collins later said. “I was in the last scene with all these kids, but I had this pristine white bandage round my head because I had this big cyst on the side.” Cubby Broccoli’s daughter Barbara – who was seven at the time – was also an extra in a fairground scene and, unsurprisingly, her scene was not cut.

4. Some of the English countryside was French

Scenes in Chitty Chitty Bang Bang were shot in parts of England’s most beautiful countryside and the sites have since become tourist destinations for fans of the film. The Cobstone windmill on the hill where Grandpa Potts, Caractacus and his children Jemima and Jeremy live is near the charming Buckinghamshire village of Turville. Some of the race scenes were set in Box Hill in Surrey.

However, the English weather during filming in July 1967 lived up to its unpredictable reputation. One solution was to shoot scenes in the Cote D’Azur. “If you look carefully, you’ll notice that in some places we are driving through vineyards and it doesn’t look much like the English countryside,” admitted Dick Van Dyke.

5. Morris dancing proved Dick Van Dyke’s toughest test

Robert M Sherman lived quite a life. He won a Purple Heart in the Second World War (he was one of the first American soldiers to relieve Dachau concentration camp) and was shot in the knee aged 19. He had to use a walking stick for the rest of his life. During his recuperation in Taunton, Somerset, he became interested in the local culture of Morris dancing.

When Sherman returned to America in the 1940s, his father Al, a Tin Pan Alley songwriter who had written hits for Billie Holiday and Louis Armstrong, challenged Robert and his brother Richard to try to earn a living writing songs. They became two of the most famous composers in Hollywood, winning two Oscars for Mary Poppins.

Chitty Chitty Bang Bang was their first score outside of the Disney empire. The showstopping tunes for the film included the Oscar-nominated title song, plus “Truly Scrumptious”, “Toot Sweets” and “Hushabye Mountain”. Van Dyke said that the hardest song to perform was “Me Ol’ Bamboo”, a Morris dancing-based tune devised around Sherman’s memories of England, when he had used a bamboo walking stick.

“The bamboo sticks had metal poles inside and we had to jump over them and dance with them,” Van Dyke, who was 41 at the time, said in a TV documentary about the making of the film. “Most of the dancers were 15 years younger than me and it took us 23 takes to get it right. In the last take, I only just make it. This was the hardest dance number I ever did.”

6. The wacky inventor was real

The fictional character of inventor Caractacus Potts was reminiscent of Rowland Emett, who worked on the technical aspects of the film. Emett, who drew cartoons for Soco magazine in the 1940s and 1950s, rose to fame during the 1951 Festival of Britain, when he created a real-life version of his cartoon “Far Tottering & Oyster Creek Railway”. The miniature railway was ridden by more than two million people in Battersea Park that year. His 1973 water-powered musical clock The Aqua Horological Tintinnabulator can still be seen in Nottingham.

For the film, he designed a series of machines, including the Humbug Major Sweet Machine, Clockwork Lullaby, the Little Dragon Carpet Sweeper and Hot Air Rocking Chair. “I had built a large numbers of rather pathetic inventions in the past and I believe the filmmakers could see some affinity between the character of Caractacus and myself,” said London-born Emett.

To celebrate the 50th anniversary of the film, Emett’s machines from Chitty Chitty Bang Bang are on display at the National Motor Museum in Beaulieu until November 2019.

Perhaps the most memorable invention in the movie is the Breakfast Maker, a robotic device like something out of Wallace and Gromit, that transports eggs and then cracks them open on to a plate for cooking. The fire from underneath the plate starts as soon as the eggs are in position.

“That was my favourite device,” said Van Dyke, “but the Breakfast Maker gave us the most trouble. It’s marvellous but it sometimes dumped plates on the floor and sometimes it would throw an egg across the room. We would go away while the special effects men fixed it…”

Emett was once asked if he was mad. ”If I am, it’s a rather nice state,“ he replied.

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7. The son was older than the dad

“Dick Van Dyke was older than me and I was playing his dad,” Lionel Jeffries, who starred as Grandpa Potts, has pointed out. Van Dyke, who turned 93 on 13 December, was born in Missouri six months before Jeffries saw the light of day in London in June 1926.

Jeffries went bald early in life, which he blamed on his time serving with the light infantry in Burma during the Second World War. He said his hair fell out because he was sweating so much in the jungle heat. “I was the only bald student at Rada. Of course I was upset,” he said. “Tried a toupee once, too, but it looked like a dead moth on a boiled egg.”

The film also featured Benny Hill as a toy maker and Barbara Windsor had a small role, but Van Dyke most enjoyed the incongruous casting of Jeffries. “Lionel is one of the funniest men I ever met and we became close friends. But he was younger than me when he played my father and I never let him forget it,” the American star of Mary Poppins added.

8. The Child Catcher was a graceful ballet dancer

The creepy voice that drawled “I smell children…” helped make the sinister Child Catcher one of cinema’s most famous baddies. Down the years, in various stage productions, the character has been played by Paul O’Grady, Lionel Blair, Wayne Sleep and Alvin Stardust, but the definitive Child Catcher is Australian Robert Helpmann, who stole so many scenes in the 1968 film. Helpmann even took out his false teeth to give himself a gaunt, frightening look.

Helpmann was a renowned ballet star, who had danced with Anna Pavlova and Margot Fonteyn, and was later part of the Sadler’s Wells Ballet Company. In one scene in the movie, he had to race his horse-driven wagon out of the village over rough cobble stones. He lost control and the vehicle crashed, but Helpmann emerged unscathed.

“We could see he was a dancer by the way he moved with little steps,” said Van Dyke. “But when the wagon tipped over, he jumped off like a ballet dancer. I have never seen anything as graceful in my whole life.”

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9. The film was James Bond for kids

As well as being based on Fleming’s book, having Broccoli as producer, and featuring a car designed by Ken Adam (whose 007 triumphs include the villain’s headquarters in Dr No), there were plenty more James Bond influences in Chitty Chitty Bang Bang.

Richard Maibaum, who wrote screenplays for a dozen Bond films, was credited as co-screenwriter, while the celebrated stuntman Vic Armstrong, who has doubled as 007 (and Indiana Jones), performed many of the stunts for Van Dyke.

Gert Fröbe, so chilling as Bond villain Auric Goldfinger, plays the temperamental, childish Baron Bomburst, while his baroness wife in the fairy-tale Bavarian kingdom is portrayed by Anna Quayle, who is Frau Hoffner in the 1967 version of Casino Royale. Desmond Llewellyn, who stars as the gadget master Q in the Bond movies, also plays an eccentric scrap dealer in Chitty Chitty Bang Bang.

“It was like a James Bond movie,” said Van Dyke, “and no expense was spared to make the sets look good.”

10. Chris Evans chauffeured a couple to their wedding in Chitty

There were reportedly six different versions of the iconic “phantasmagorical machine” – the car with the power to fly and to swim – driven by Van Dyke in the film. The cars, designed by Ken Adam, were automatic, because the actor could not drive a manual car. It had a dashboard plate from a First World War fighter plane and the colours of the floating Chitty – purple, green and white – were those of the women’s suffrage movement.

Formula One world champion Graham Hill managed to get Chitty up to 120mph during an exhibition drive at Crystal Palace in 1968. Michael Jackson (who was a Benny Hill fan) tried to buy the original car. Peter Jackson, director of O senhor dos Anéis films, owns one of the versions, and radio and television presenter Chris Evans bought one for £500,000 in 2012.

Five years later, two fans of Evans’s Radio 2 show were given a fun wedding present, when the DJ chauffeured them to their ceremony in Chitty.


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