Novo

Cinco Grandes Artistas da Renascença

Cinco Grandes Artistas da Renascença


As 5 obras literárias mais importantes do Renascimento

o Obras literárias da Renascença Fazem parte de um período muito fecundo para o Ocidente. Os mais importantes são Aldeia ou Utopia, entre outros.

Por Renascença entende-se a etapa de aprendizagem que começou na Itália e que se estendeu para o norte, incluindo a Inglaterra, para o século XVI, e terminou em meados do século XVII.

Durante este período, houve um grande e renovado interesse e estudo da antiguidade clássica. No entanto, esta era foi mais do que um "renascimento". Foi também uma era de novas descobertas, tanto geográficas (exploração do Novo Mundo, ou seja, América) e intelectuais.

Ambos os tipos de descobertas deram origem a mudanças de enorme importância para a civilização ocidental. Na ciência, por exemplo, Copérnico (1473-1543) tentou provar que o Sol e não a Terra estava no centro do sistema planetário, alterando radicalmente a visão do cosmos que havia dominado a Antiguidade e a Idade Média.

Na religião, Martinho Lutero (1483-1546) desafiou e acabou provocando a divisão de uma das principais instituições que uniram a Europa ao longo da Idade Média: a Igreja Católica. Na verdade, os pensadores da Renascença muitas vezes se consideravam arquitetos da Era Moderna.

Além disso, durante este período houve certas mudanças políticas importantes. Alguns dos ideais mais nobres da época foram expressos pelo movimento conhecido como Humanismo, que forneceu grandes insights sobre como as obras literárias deveriam ser criadas.

Os pensadores do Renascimento tenderam a se dissociar das obras escritas na Idade Média, período histórico que consideravam muito negativo. Segundo eles, a Idade Média se estabeleceu no "meio" de dois processos históricos muito mais valiosos: a Antiguidade e o Renascimento.

Você também pode estar interessado em ver Os 32 mais destacados artistas da Renascença.


Cinco Grandes Artistas da Renascença - História

Historicamente, os artistas se tornam famosos por seu estilo único ou pelo caráter que transmitem ao mundo da arte. A partir do Renascimento, a arte se transformou, elevou o valor da arte e produziu um respeito por ela que não existia no passado. Os mestres da arte tornaram-se conhecidos em todos os lugares, seus trabalhos foram estudados durante e além de suas vidas. Após o Renascimento, inovações e diferentes escolas e pensamentos ocorreram, e os artistas e seu trabalho se destacaram em todas as épocas desde então. Para as melhores pinturas de todos os tempos, veja as pinturas mais famosas.

Abaixo estão as listas dos artistas mais famosos de todos os tempos e suas obras, começando com o Movimento Renascentista:

Artistas da Renascença italiana

Artistas da Renascença do Norte

Artistas Barrocos

Artistas do século 18

Artistas do século 19

  • Old Chelsea Bridge, Londres
  • O jardim de Pontoise
  • A Côte des Bœufs em L'Hermitage
  • Lavadeira, Estudo
  • Conversação
  • A colheita
  • The Boating Party
  • Chá
  • Horário de verão
  • The Child & # 8217s Bath
  • Debaixo do Castanheiro-da-índia
  • Crianças na praia
  • Jules sendo seco por sua mãe
  • Mãe e filho
  • Mulher jovem de verde, ao ar livre ao sol

Artistas do século 20


2. Michelangelo

Estátua de David de Michaelangelo em Florença, Itália.

Nasceu em 6 de março de 1475 e morreu em 18 de fevereiro de 1564 (88 anos)

Um dos contemporâneos de Da Vinci e talvez seu desafiante ao título de maior artista da Renascença foi Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simoni. Nascido 13 anos depois de Da Vinci, Michelangelo seguiu seus passos como um homem da Renascença. Ele era um talentoso artista, poeta, arquiteto e engenheiro.

A obra mais conhecida de Michelangelo é provavelmente a escultura David, que foi concluído nos primeiros anos do século XVI. Os quase 15 pés David retrata a figura bíblica de Davi em mármore branco da pedreira em Miseglia. Outras obras famosas de Michelangelo incluem a estátua Pietuma e o teto da Capela Sistina no Vaticano.

3. Rafael

Nasceu na primavera de 1483, morreu em 6 de abril de 1520 (37 anos)

Ao lado de Da Vinci e Michelangelo, Raffaello Sanzio da Urbino, mais conhecido simplesmente como Rafael, é conhecido como o terceiro dos grandes mestres artistas da Itália renascentista. Ele nasceu em 1483, e suas obras foram extremamente influentes mesmo durante sua vida.

Embora Raphael tenha vivido apenas até os 37 anos, ele produziu um grande número de obras, incluindo pinturas, afrescos, gravuras e muito mais. Uma de suas obras mais famosas é A escola de Atenas, mostrado no início deste artigo. É um exemplo clássico da arte e da cultura renascentista em geral, já que a cultura do período fazia referência à antiguidade romana e grega.


A história sagrada: a força motriz da arte renascentista

A súbita expansão do comércio, da banca e da indústria têxtil no final dos anos 1200 trouxe um influxo de classes trabalhadoras às cidades da Itália renascentista. A igreja romana, cujas representações de Deus foram projetadas para controlar a congregação com o poder e a majestade do Senhor, estava mal equipada para lidar com o grande número de pessoas que se estabeleceram nos arredores das cidades. Isso trouxe o pregador viajante à tona . Pregadores, como São Francisco de Assis e São Domingos, trouxeram uma maneira diferente de ver a vida de Cristo do que a visão tradicional retratada nas obras de arte encomendadas pela Igreja. Esses homens eram ‘performers’, trazendo um toque de drama às histórias que contavam às congregações.

Para acomodar novas cidades, novas igrejas foram construídas e precisavam ser preenchidas rapidamente com as imagens de um Cristo que salvaria suas almas. As longas obras já não eram adequadas e, para acelerar o processo de decoração, os artistas recorreram à pintura a fresco. Um excelente exemplo disso é o de Giotto Lamentação de cristo de 1303-5.

A lamentação de Cristo Giotto di Bondone (1305)

Neste afresco de Pádua, Giotto revela a tristeza dos amigos e da família por este terrível acontecimento. O corpo inerte de Cristo é embalado por sua mãe, suas mãos e pés gentilmente segurados por outras mulheres sagradas. As outras figuras se inclinam para a cena e há um contraste distinto entre sua dor controlada e os anjos que choram acima, cujos movimentos são agitados. É assim que se sente e se parece a dor, segundo São Francisco. Esta é uma iconografia poderosa e também podemos ver isso na escultura. Giotto se inspirou nos painéis de escultura em relevo de Niccolo e Giovanni Pisano da Crucificação:

Niccolo e Giovanni Pisano, Crucificação

O corpo magro, as costelas à mostra e o rosto contorcido com o caos ao redor: uma imagem poderosa e que ressoaria na congregação.

Em seu livro, 'Renascença', Andrew Graham-Dixon comentou que, “a religião foi uma das grandes forças motrizes por trás da Arte Renascentista” e é claro que essa mudança se deveu em parte à influência dessa nova raça de pregadores e ao influxo de artistas prontos e capazes de retratar a história sagrada de uma forma que repercutisse na congregação.

Nesse ponto da história da arte, a técnica da pintura a fresco estava em seu apogeu. Dois dos afrescos mais famosos da Capela Sistina pintados por Michelangelo foram concluídos no final de seu tempo pintando o teto da capela e estão entre os maiores dos painéis.

Aqui, vemos uma representação muito diferente do corpo humano:

A criação de Adão: Capela Sistina de Michelangelo Buonarroti 1508-1512

A Queda e Expulsão de Adão e Eva: Capela Sistina Michelangelo Buonarroti 1508-1512


No A Criação de Adão , a composição é equilibrada em duas metades para contar a história direto do Gênesis, enquanto A Tentação e Expulsão covers conta duas partes da história no painel. O posicionamento da criação é interessante, com Deus em uma posição ligeiramente mais elevada do que Adão, que languidamente levanta sua mão para receber o poder e a força de Deus. Os olhares de ambos estão fixos um no outro e há um senso de autoridade e submissão. Isso difere de Tentação e Expulsão como duas partes distintas da história são contadas aqui: A Árvore do Conhecimento central tem Lúcifer, como a serpente, tentando Eva enquanto Adão agarra o fruto. A segunda metade mostra o par sendo forçado a sair do Éden. Enquanto Deus e Adão se olham no Criação , neste painel ninguém parece fazer contato visual.

Ambas as pinturas possuem elementos de simetria no posicionamento que agregam significado além de agradar aos olhos. Adão e Deus estão em uma forma convexa / côncava. Da mesma forma, Adão se inclina sobre Eva para alcançar a árvore e o corpo de Eva se curva em direção a Adão. Mesmo durante a expulsão, a mesma simetria existe.

A partir disso, pode-se perceber que uma das características mais evidentes de ambos os painéis é a representação das figuras. Os artistas da Renascença estavam olhando para trás, para a representação clássica grega e romana da forma humana e da importância da proporção. Adão e Deus são classicamente definidos em ambos os painéis e Eva segue o exemplo no Expulsão .

As mudanças ocorridas na arte durante este período não se restringiram ao sul da Europa. No Norte, os avanços técnicos marcavam a diferença nas obras produzidas, especificamente na promoção da tinta a óleo.

Dois artistas, em particular, abraçaram as vibrantes tintas à base de óleo que poderiam oferecer para trazer um novo vigor à história sagrada. Jan Van Eyck's Retábulo de Gante (1432) usa doze painéis para contar a história e a atenção aos detalhes de roupas, paisagens, rostos são realçados com o uso de óleo. Isso permitiu ao artista olhar os textos para trazer detalhes à vida e, assim, levar a palavra de Deus às massas analfabetas.

Retábulo de Gante: Jan van Eyck 1432

O uso de tempura e pintura a fresco significou a velocidade com que a tinta seca forçou os artistas a trabalhar em pequenas seções de cada vez. Com os óleos secando em um ritmo mais lento, os artistas foram capazes de aplicar diferentes técnicas à pintura para dar efeitos variados, incluindo modelagem tridimensional, dando profundidade ao trabalho. Essa ideia é particularmente notável com a movimentação de Roger van der Weyden Descida da cruz .

Descida da Cruz: Roger van der Weyden, 1435 Museo del Prado, Madrid

Esta composição fechada é permeada por cores primárias, o ouro da majestade de Deus, o azul da Virgem de Maria, o vermelho das vestes de José de Arimatéia. Também podemos ver, com clareza, a dor gravada em seus rostos, mas o que mais chama a atenção é o corpo do próprio Cristo. Cada costela e cada tendão são definidos. Com tintas a óleo sendo usadas para construir texturas, podemos ver a carne e os diferentes materiais dentro da composição com um realismo quase fotográfico. Você só precisa olhar atentamente para as lágrimas que caem dos atores nesta cena para ver a eficácia dessa técnica.

A Renascença era toda sobre nova arte, nova representação, novas técnicas, mas a história mais antiga conhecida pelo homem ainda ressoava em todo o mundo da arte e deu-lhe novos desafios para se desenvolver.


3. Gian Lorenzo Bernini (1598-1680)

Bernini [wiki] libertou a escultura de sua ocupação anterior com gravidade terrena e emoção intelectual, permitindo-lhe descobrir uma nova liberdade que lhe permitiu mover-se, voar alto e ter uma qualidade visionária e teatral. Uma criança prodígio, Bernini tinha uma personalidade brilhante e um engenho brilhante (ele escrevia comédias) - qualidades que brilham em suas esculturas. Foi também um verdadeiro visionário tecnicamente, capaz de esculpir o mármore de forma a fazê-lo parecer mover-se ou ter a delicadeza da renda mais fina. Na melhor das hipóteses, ele combina escultura, arquitetura e pintura em um conjunto teatral extravagante, especialmente em suas fontes, onde o jogo de água e luz sobre suas figuras humanas e animais gigantescas cria uma visão que está literalmente fora deste mundo .


Por que Michelangelo odiava tanto Raphael? 5 feudos ferozes que moldaram a história da arte

De uma rivalidade renascentista ao grande choque de críticos em Nova York.

Ao longo da história da arte, a busca por lembrança e domínio levou a intensas rivalidades. Alguns deles inspiraram façanhas de superioridade criativa, alguns foram totalmente destrutivos. De qualquer forma, eles definiram de forma indelével os riscos do fazer artístico. Abaixo, listamos cinco dos mais famosos.

Rafael contra Michelangelo

O jovem artista Raphael entrou em cena na Itália renascentista em 1504 com um estilo intrincado que foi influenciado por seus predecessores Fra Bartolommeo, Leonardo e Michelangelo. Em 1508, aos 26 anos, o jovem artista foi convidado pelo Papa Júlio II para pintar um afresco na biblioteca particular do Papa no Palácio do Vaticano. Ele não apenas derrotou concorrentes como Michelangelo e Leonardo para ganhar a comissão, mas seu trabalho recebeu críticas entusiasmadas.

Até o cronista da Renascença Vasari, que basicamente via Michelangelo como um deus e o ponto alto da Renascença, reconheceu que Rafael deu ao artista mais velho uma corrida pelo seu dinheiro:

Rafael de Urbino conquistou grande crédito como pintor, e seus amigos e adeptos afirmavam que suas obras estavam mais estritamente de acordo com as regras da arte do que Michelangelo, afirmando que eram graciosas nas cores, de bela invenção, admiráveis ​​na expressão, e de design característico, enquanto os de Michelangelo, foi declarado, não tinham nenhuma dessas qualidades, com exceção do design. Por essas razões, Rafael foi julgado, por aqueles que assim opinaram, como totalmente igual, senão superior, a Michelangelo na pintura em geral, e & # 8230 decididamente superior a ele no que diz respeito à coloração em particular.

Michelangelo não se deu bem na competição. Como Robert S. Liebert escreve em & # 8220Raphael, Michelangelo, Sebastiano: High Renaissance Rivalry & # 8221, ele & # 8220 fez Raphael suportar o peso de sua inveja, desprezo e raiva implacáveis. & # 8221

Mas Raphael poderia dar o melhor que pudesse. Por um lado, ele pintou as características de Michelangelo & # 8217s na figura de Heráclito em A escola de Atenas.

Rafael pintou um Michelangelo mal-humorado em um de seus afrescos. Foto: Wikimedia Commons.

Imortalizar um rival do & # 8217s na forma de um filósofo pré-socrático mais famoso por dizer & # 8220você nunca pisa no mesmo rio duas vezes & # 8221 pode parecer um movimento estranho, mas Ross King esclarece o significado: & # 8220 [I Não é esta filosofia de mudança universal que parece ter influenciado Raphael a emprestar-lhe as características de Michelangelo, mais provavelmente foi o lendário temperamento azedo de Heráclito e o amargo desprezo por todos os rivais. & # 8221

Ingres e Delacroix representaram duas escolas diferentes de pintura na França do século XIX. Fotos: Wikimedia Commons.

Ingres vs. Delacroix

A rivalidade entre os dois titãs da pintura francesa se desenrolou em meio a um choque de estilos na França do século 19 que viu o estilo neoclássico tradicional favorecido por Jean-Auguste-Dominique Ingres em oposição ao romantismo de vanguarda defendido por Eugene Delacroix.

A rivalidade não era apenas sobre estilo artístico, mas sobre os valores morais atribuídos à linha e à cor, respectivamente. & # 8220Ingres foi o protetor autoproclamado não apenas do linearismo e da tradição clássica, mas também da moralidade e da razão & # 8230, & # 8221 escreve Walter F. Friedlaender, o autor de David para Delacroix. & # 8220 [L] abstração linear e linear incorporava algo moral, legítimo e universal, e cada descida ao colorístico e irracional era uma heresia e uma aberração moral que deve ser vigorosamente combatida. & # 8221

Assim, Delacroix, o colorista mais famoso, era visto não apenas como artisticamente distinto, mas como uma ameaça à moralidade da sociedade francesa. & # 8220Não consigo olhar para Delacroix, & # 8221 Ingres disse uma vez. & # 8220Ele cheira a enxofre. & # 8221

Nem sempre a rivalidade permaneceu no reino do puro debate. Julian Barnes descreve um encontro entre os dois rivais, que foram acidentalmente convidados para a mesma festa por um amigo banqueiro:

Depois de muito olhar carrancudo, Ingres não conseguiu mais se conter. Xícara de café na mão, ele abordou seu rival por uma lareira. _ Senhor! _ Declarou ele, _ Desenhar significa honestidade! Desenhar significa honra! 'Tornando-se excessivamente colérico diante do frio Delacroix, Ingres derrubou seu café em sua própria camisa e colete, em seguida, agarrou seu chapéu e foi para a porta, onde se virou e repetiu:' Sim, senhor! É uma honra! É honestidade! '”

Clement Greenberg [esquerda] vs. Harold Rosenberg.

Greenberg vs. Rosenberg

Esses dois gigantes da crítica de arte e os artistas que eles defendiam deram origem ao movimento do expressionismo abstrato americano e estão associados com a ascensão artística dos EUA. Greenberg gravitou em torno da abstração de Jackson Pollock, seu rival, Rosenberg, preferia a pintura de Willem de Kooning.

Greenberg tinha pontos de vista formalistas estritos, insistindo que a abstração era um passo na progressão da tradição da pintura, uma afirmação rejeitada por Rosenberg, cuja defesa do que ele chamou de & # 8220Action Painting & # 8221 o levou a proclamar que a pintura não era mais um quadro , mas a gravação de um evento. Anedotas descrevem como os dois homens tiveram de ser mantidos separados nas festas - mas foi na imprensa que a batalha realmente aconteceu.

Assim, em & # 8220How Art Writing Earns Its Bad Name, & # 8221 Greenberg criticou críticos como Rosenberg por "perversões e abortos do discurso: pseudo-descrição, pseudo-narrativa, pseudo-exposição, pseudo-história, pseudo-filosofia, pseudo -psicologia e - o pior de tudo - pseudo-poesia. ”

Rosenberg aplaudiu de volta com esta passagem sarcástica de & # 8220Action Painting: A Decade of Distortion & # 8221:

“[T] ele deseja remover a pintura e a escultura contemporâneas para o domínio da arte como arte favorece o‘ especialista ’que faz compras para os desnorteados. 'Não consigo ver nada de essencial nisso [Action Painting]', escreve Clement Greenberg, um informante sobre obras-primas, atuais e futuras, 'que não pode ser mostrado como tendo evoluído [presumivelmente através das células germinativas na tinta] de qualquer cubismo ou Impressionismo, assim como não consigo ver nada de essencial no Cubismo ou Impressionismo cujo desenvolvimento não pudesse ser rastreado até Giotto e Masaccio e Giorgione e Ticiano. 'Neste burlesco da história da arte, os artistas desaparecem e as pinturas surgem umas das outras com o ajuda de nenhum outro princípio gerador do que qualquer "lei de desenvolvimento" que o crítico tenha em mãos.

A rivalidade de Matisse e Picasso com a # 8217 resultou em alguns dos melhores trabalhos dos artistas e # 8217. Foto: Ralph Gatti, George Stroud / Getty Images.

Matisse x Picasso

Embora a rivalidade entre Henri Matisse e Pablo Picasso permanecesse, em geral, respeitosa e cordial, os dois artistas incansavelmente estimularam-se mutuamente. No livro dele A Arte da Rivalidade, O crítico Sebastian Smee descreve a competição entre os dois grandes nomes como “um drama diferente de qualquer outro na história da arte moderna”.

Aos 20 anos, o implacavelmente ambicioso Picasso enfrentou Matisse, 12 anos mais velho, desencadeando um período extraordinário de crescimento para ambos os artistas. De acordo com Smee, o ícone de Matisse Nu Azul: Memória de Biskra (1907) "forçou Picasso a repensar radicalmente o que estava fazendo" e moldou o ímpeto criativo sobre o que se tornaria Les Demoiselles d'Avignon (1907), uma das maiores obras do espanhol & # 8217s. Quando Matisse viu o último, ele elogiou o jovem Picasso como "um inovador eletrizante" e reconheceu que ele era um pintor com "possivelmente aprender".

No entanto, argumentou-se que o status dessa rivalidade modernista clássica, que sustentou bolsas de estudos e exibições desde então, foi uma espécie de invenção de relações públicas do poeta e impulsionador da vanguarda Apollinaire, que escreveu um comunicado à imprensa para uma exposição & # 8220Matisse / Picasso & # 8221 na galeria Paul Guillaume & # 8217s em 1918. Para despertar o entusiasmo, ele descreveu a mostra como um choque de titãs e a rivalidade de Matisse e Picasso como tudo o que importava para os amantes da arte, descrevendo-os como & # 8220 os dois representantes mais famosos das duas grandes tendências opostas na grande arte contemporânea. & # 8221

A amizade de Paul Gauguin e Vincent Van Gogh & # 8217 azedou. Fotos: Wikimedia Commons.

Van Gogh vs. Gauguin

A rivalidade de Vincent van Gogh e Paul Gauguin começou como uma amizade. Van Gogh convidou Gauguin para se juntar a ele no sul da França, onde estava tentando estabelecer uma comuna de artistas na cidade de Arles. Por um breve período, os mestres pós-impressionistas viveram, trabalharam e colaboraram frutuosamente na chamada Casa Amarela, resultando em uma rivalidade artística competitiva, mas amigável, da qual ambos se beneficiaram.

No entanto, o acordo azedou. Ambos os homens eram personagens difíceis. Van Gogh sofria de instabilidade mental, enquanto Gauguin tinha a reputação de ser uma pessoa narcisista e desagradável. Quando Gauguin retratou seu amigo em O Pintor de Girassóis, dizem que van Gogh recuou, dizendo: "Sou eu, mas fiquei louco." Não exatamente ajudando seu caso, em um café depois, van Gogh atirou um copo de absinto na cabeça de Gauguin.

Paul Gauguin, O Pintor de Girassóis (Retrato de Vincent van Gogh) (1888). Imagem cortesia do Wikimedia Commons.

Segundo a lenda, o pintor holandês cortou sua orelha após uma briga com Gauguin em 1888, dando a orelha ensanguentada a uma prostituta atordoada em um bordel próximo. No entanto, seu relacionamento se tornou tão acalorado que recentemente alguns historiadores de arte alemães apresentaram uma teoria alternativa da amputação da orelha, no livro Em Van Gogh & # 8217s Ear: Paul Gauguin and the Pact of Silence. Um dos historiadores, Hans Kaufmann, narrou a suposta cena real ao Guardião:

Perto do bordel, a cerca de 300 metros da Casa Amarela, houve um encontro final entre eles: Vincent poderia tê-lo atacado, Gauguin queria se defender e se livrar desse & # 8216madman & # 8217. Ele sacou sua arma, fez algum movimento na direção de Vincent e cortou sua orelha esquerda.

Os especialistas em Van Gogh geralmente defendem a história da automutilação. Kaufmann aponta para inconsistências nas histórias dos dois artistas & # 8217, e em uma passagem em uma das cartas de Van Gogh & # 8217s para Theo que parece indicar um potencial brutal dentro de sua rivalidade: & # 8220 Felizmente Gauguin & # 8230 ainda não está armado com metralhadoras e outras armas de guerra perigosas. & # 8221


Um Novo Céu e Nova Terra

Outro grande artista da Renascença, Albrecht Dürer (1471-1528), fez sua contribuição para a história da cartografia pouco mais de uma década após a de Leonardo. Dürer foi o pintor mais importante da Renascença alemã, mas sem dúvida suas maiores realizações artísticas residem nas inovações que trouxe para a criação de xilogravuras e gravuras altamente detalhadas.

Graças à nova máquina de impressão mecânica, inventada na Alemanha em meados de 1400, as impressões de Dürer poderiam ser mais rapidamente produzidas em massa para distribuição a um público muito mais amplo do que poderia ter visto ou obtido uma de suas pinturas originais. Impressões como “Os Quatro Cavaleiros do Apocalipse” (1497/8) e “Melancolia” (1514) eram muito apreciadas pelos colecionadores, influenciaram séculos de artistas posteriores e apareceram como pôsteres nos dormitórios de muitos colégios taciturnos alunos.

& # 8220Melancholia. & # 8221 The Metropolitan Museum of Art.

Como Leonardo antes dele, Dürer foi abordado para criar uma série de mapas. Também como Leonardo, ele trouxe um olhar inovador ao projeto. A metodologia subjacente aos dados contidos nesses mapas vem do trabalho de cientistas, em vez de, como no caso dos mapas de Leonardo para Borgia, medições detalhadas que o próprio artista fez. Mesmo assim, Dürer conseguiu traduzir esses dados em mapas que forneceram maneiras práticas, mas, na época, únicas de olhar o mundo.

Em seus “Mapas Celestiais dos Céus do Norte e do Sul” (1515), Dürer criou as primeiras cartas estelares impressas na Europa. Ele trabalhou com o cartógrafo austríaco e astrólogo imperial Johannes Stabius (1450-1522) para combinar todo o conhecimento conhecido da época sobre as constelações, retirado do grego, romano, árabe e outras fontes.

“Mapas Celestiais dos Céus do Norte e do Sul. & # 8221 Norte. Coleção privada.

“Mapas Celestiais dos Céus do Norte e do Sul. & # 8221 Sul. Coleção privada.

O artista traduziu essas informações em um par de xilogravuras detalhadas altamente eficaz e extremamente popular, combinando a observação científica com imagens da mitologia de uma forma que permaneceu o padrão nos mapas celestes ocidentais por séculos.

Cada um dos mapas tem cerca de 60 x 60 cm, assim como o "Plano de Imola" de Leonardo, o que significa que essas impressões foram feitas para serem usadas, não simplesmente exibidas em uma parede ou em um álbum. Em uma época em que as pessoas ainda controlavam suas viagens - e de fato, às vezes toda a vida - lendo as estrelas, esses mapas das constelações eram inestimáveis ​​para aqueles que precisavam ser capazes de traçar onde, exatamente, estavam.

Também podemos ver, em seu mapa dos céus do hemisfério sul, quão pouco os europeus conheciam do céu noturno naquela parte do mundo no início do século XVI. No entanto, a maior inovação artística e conceitual de Dürer foi ajudar a criar um mapa do globo verdadeiramente voltado para o futuro - ou, pelo menos, de todo o globo que ele conhecia na época em que o criou.


10 pinturas mais famosas da Renascença

O período do século 14 ao século 17 na Europa é popularmente chamado de Renascimento, e marcou um renascimento ou revivificação do aprendizado e da sabedoria clássicos. A onda de renascimento atingiu muitas áreas da civilização europeia, particularmente as áreas da arte, religião, literatura e política. O Renascimento marcou uma maior consciência da natureza, um renascimento da aprendizagem que estava presente no período medieval, mas se tornou proeminente nos séculos XV e XVI. A arte da Renascença tratava da representação de uma visão individual de um homem. O período do Renascimento viu algumas obras gloriosas de muitos artistas lendários, que ainda hoje são reverenciados.

Aqui estão algumas das pinturas mais importantes e famosas da Renascença.



A pintura Mona Lisa de Leonardo Da Vinci é uma das pinturas mais famosas e reconhecidas da história. É indiscutivelmente a pintura mais comentada pelo sorriso enigmático. Tem havido muitas discussões sobre o sorriso de Mona Lisa, esteja ela sorrindo ou não. A principal característica dessa pintura é que Da Vinci pintou seus olhos de tal forma que, mesmo quando você muda o ângulo de visão, os olhos de Mona Lisa parecem sempre segui-lo. A pintura é feita a óleo sobre madeira e atualmente é propriedade do Governo da França. Mona Lisa está exposta no Louvre, em Paris e pertence ao público, o que significa que não pode ser comprada ou vendida.

A palavra significa primavera em italiano. Primavera é uma pintura de Sandro Botticelli cujo nome original era Alessandro di Mariano Filipepi. A pintura também é conhecida como 'Alegoria da Primavera'. Acredita-se que Botticelli tenha criado esta obra de arte por volta de 1482 e é considerado um dos principais exemplos da arte renascentista. Muitos tentaram interpretar a pintura e muitos apresentaram explicações. Alguns dizem que é uma alegoria mítica, enquanto outros dizem que é sobre a mudança da estação para a primavera. Esta pintura é popular devido ao uso de cores e diferentes explicações associadas a ela. Primavera é considerada a pintura mais polêmica do mundo.

Criada em 1512, esta é uma das pinturas icônicas de Michelangelo. A criação de Adão é a pintura do teto da Capela Sistina. Mesmo que esta seja uma das pinturas mais replicadas de todos os tempos, é apenas a segunda em popularidade para Mona Lisa. A pintura se tornou um símbolo da humanidade, pois a imagem representa a mão de Deus e de Adão prestes a se tocar.


Considerada a melhor obra de Leonardo Da Vinci em 1498, a Última Ceia é uma importante pintura do período renascentista. A imagem mostra Jesus com seus discípulos para sua última ceia. A pintura é conhecida por seu uso inteligente de cor, luz e anatomia. A pintura também é objeto de muitas discussões e conjecturas. Muitos propuseram que o discípulo sentado à direita de Jesus é Maria Madalena e muitos também se perguntaram o significado ou o significado da forma de V entre Jesus e a pessoa à direita. Apesar de todas as conjecturas, a Última Ceia é uma das obras-primas de Leonardo Da Vinci.

Pintado em 1511, é um dos quatro afrescos principais nas paredes do Palácio Apostólico do Vaticano. Os quatro afrescos simbolizam filosofia, poesia, teologia e direito. A pintura simboliza a filosofia porque é dito que a pintura é uma representação do melhor período da Filosofia Grega, como podemos encontrar Aristóteles e Platão no centro da pintura. Esta pintura capturou perfeitamente o espírito clássico da Renascença.

Pintado no ano de 1306 por Giotto di Bondone, esta pintura retrata o momento da traição de Jesus por Judas Iscariotes, que identifica Jesus aos soldados romanos beijando-o. A Capela Scrovegni abriga o ciclo de afrescos de Giotto di Bondone, e o Beijo de Judas é a pintura mais famosa do ciclo. Muitos críticos acreditam que Giotto é um gênio e nenhum artista foi capaz de superar seu trabalho. Seu domínio é evidente na maneira como captou a expressão de Jesus e Judas naquela cena de traição.

Esta pintura de Michelangelo Buonarroti concluída no ano de 1541 foi encontrada na parede do altar da Capela Sistina na Cidade do Vaticano. A pintura é sobre a segunda vinda de Jesus, o dia em que Deus julgará toda a humanidade. Michelangelo pintou Jesus no centro, cercado por santos. A parte superior da pintura mostra a ressurreição dos mortos para o céu e a parte inferior mostra a descida dos pecadores ao inferno. O uso de cores e excelentes pinceladas fazem desta pintura a pintura mais venerada do mundo.

Raffaello Sanzio popularmente conhecido como Rafael pintou a Madona Sistina em 1512. A pintura mostra a Mãe Maria segurando o bebê Jesus em suas mãos com Santa Bárbara e Santo Sisto em ambos os lados e dois querubins abaixo dela. Esta é uma das obras mais famosas de Rafael e importante pintura do Renascimento.

O altar-mor da Basílica de Santa Maria Gloriosa dei Frari, é onde se encontra esta pintura de Tiziano Vecellio, também conhecido como Ticiano. Esta pintura foi feita por Ticiano em seus primeiros anos e ele usou cores vivas nesta pintura. A Assunção da Virgem é uma pintura sobre a ascensão da Mãe Maria ao céu. Ticiano pintou a Mãe Maria em um vestido vermelho que foi elevada ao céu, onde Deus está olhando para Maria enquanto os apóstolos se despedem dela do chão.

A lista resume as 10 pinturas mais importantes do Renascimento, que viu o surgimento de muitos artistas. O Renascimento foi, sem dúvida, um renascimento cultural e artístico da história e essas pinturas tornaram-se sinônimos do período do Renascimento.
(Fonte da imagem: Wikipedia)


10. William Shakespeare

Enquanto o Renascimento italiano foi dominado pelas artes visuais, o Renascimento na Inglaterra ocorreu principalmente na literatura e na música. Shakespeare (1564-1616) was a key figure of the English Renaissance.

While he was working in the theatre, the Renaissance was peaking in England. Shakespeare was one of the first playwrights to introduce the new openness and humanism of the movement to the theatre.

One of the most influential writers in the English language, Shakespeare wrote some of the finest and most famous works ever written.


Assista o vídeo: RENASCIMENTO ITALIANO Artes (Janeiro 2022).

Video, Sitemap-Video, Sitemap-Videos