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Afresco de uma mulher segurando um espelho

Afresco de uma mulher segurando um espelho


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Bloody Mary (folclore)

Maria Sangrenta é a lenda de um fantasma, fantasma ou espírito conjurado para revelar o futuro. Diz-se que ela aparece em um espelho quando seu nome é entoado repetidamente. A aparição do Bloody Mary pode ser benigna ou malévola, dependendo das variações históricas da lenda. As aparições de Bloody Mary são geralmente "testemunhadas" em uma peça de participação em grupo ou por um homem que está prestes a morrer.


Conteúdo

As tapeçarias foram redescobertas em 1841 por Próspero Mérimée no castelo de Boussac (então propriedade do subprefeito do Creuse) onde vinham sofrendo danos devido às condições de armazenamento. Em 1844, o romancista George Sand os viu e chamou a atenção do público para as tapeçarias em suas obras da época (mais notadamente em seu romance Jeanne), em que os datou corretamente ao final do século XV, usando como referência os trajes femininos. [2] No entanto, as tapeçarias continuaram a ser ameaçadas pela umidade e mofo até 1863, quando foram compradas por Edmond du Sommerard, curador do Musée de Cluny em Paris, onde uma conservação cuidadosa as restaurou quase à sua antiga glória e onde ainda estão na tela.

O tema das tapeçarias é complexo, e os estudiosos "agora (geralmente) concordam que elas apresentam uma meditação sobre os prazeres terrenos e a cultura da corte, oferecida por meio de uma alegoria dos sentidos". [3]

As flâmulas, assim como a armadura do Unicórnio e do Leão na tapeçaria, parecem portar as armas de Jean IV Le Viste, um poderoso nobre da corte do rei Carlos VII e presumivelmente seu patrocinador. As armas, entretanto, parecem quebrar as regras da heráldica francesa com uma sobreposição incorreta de cores. Um estudo muito recente da heráldica parece dar crédito a outra hipótese - previamente rejeitada - de que o verdadeiro patrocinador da tapeçaria é Antoine II Le Viste (1470-1534), um descendente do ramo mais jovem da família Le Viste e um importante figura na corte do rei Carlos VIII, Luís XII e Francisco I. [4]

A senhora fica com uma das mãos tocando o chifre do unicórnio e a outra segurando a flâmula. O leão senta-se ao lado e observa.

A senhora está tirando doces de um prato segurado por uma criada. Seus olhos estão em um periquito em sua mão esquerda erguida. O leão e o unicórnio estão ambos de pé nas patas traseiras, alcançando as flâmulas que enquadram a senhora de cada lado. O macaco está a seus pés, comendo uma das guloseimas.

A senhora se levanta, fazendo uma coroa de flores. Sua criada segura uma cesta de flores ao seu alcance. Novamente, o leão e o unicórnio enquadram a senhora enquanto seguram as flâmulas. O macaco roubou uma flor que está cheirando, fornecendo a chave para a alegoria.

A senhora toca um órgão portativo em cima de uma mesa coberta com um tapete oriental. Sua serva fica do lado oposto e opera o fole. O leão e o unicórnio mais uma vez enquadram a cena segurando as flâmulas. Assim como em todas as outras tapeçarias, o unicórnio está à esquerda da senhora e o leão à sua direita - um denominador comum para todas as tapeçarias.

A senhora está sentada, segurando um espelho na mão direita. O unicórnio está ajoelhado no chão, com as patas dianteiras no colo da senhora, de onde olha seu reflexo no espelho. O leão à esquerda segura uma flâmula.

A sexta tapeçaria é mais larga que as outras e tem um estilo um pouco diferente. A senhora está em frente a uma tenda, em cujo topo está inscrito o seu lema "À Mon Seul Désir", um dos lemas deliberadamente obscuros, altamente elaborados e elegantes, muitas vezes aludindo ao amor cortês, adotado pela nobreza durante a idade da cavalaria. É interpretável de várias maneiras como" ao meu único / único desejo "," de acordo com o meu desejo sozinho "" somente pela minha vontade "," o amor deseja somente a beleza da alma "," acalmar a paixão ". Compare com o lema de Lady Margaret Beaufort (1441 / 3-1509) Me Sovent Sovant (Souvent me souviens, "Freqüentemente me lembro"), que foi adotado pelo St John's College, em Cambridge, fundado por ela, também se compara com o lema de John of Lancaster, 1º Duque de Bedford (1389-1435) A Vous Entier ("(Devotado) inteiramente a você"), etc. Estes aparecem freqüentemente em obras de arte e miniaturas iluminadas. Sua criada está à direita, segurando um baú aberto. A senhora está colocando o colar que usa nas outras tapeçarias no peito. À sua esquerda está um banco baixo com um cachorro, possivelmente um maltês sentado em um travesseiro decorativo. É a única tapeçaria em que ela sorri. O unicórnio e o leão permanecem em seus lugares normais emoldurando a senhora enquanto seguram as flâmulas.

Essa tapeçaria suscitou várias interpretações. [5] Uma interpretação vê a senhora colocando o colar no peito como uma renúncia às paixões despertadas pelos outros sentidos e como uma afirmação de seu livre arbítrio. Outro vê a tapeçaria como representando um sexto sentido de compreensão (derivado dos sermões de Jean Gerson da Universidade de Paris, c. 1420). Várias outras interpretações consideram a tapeçaria como uma representação do amor ou da virgindade. Também é debatido se a senhora em "À Mon Seul Désir" é pegar ou deixar o colar de lado.

Uma nova proposta da artista Heidi C. J. Hallett sugere que "À Mon Seul Désir"se traduz como" com meu desejo único ", o que significa que a humanidade é a única espécie a cobiçar objetos materiais, mesmo quando compartilhamos os cinco sentidos com os animais. Não importa se a senhora está tirando o colar da caixa ou guardando-o - o ponto é que ela o valoriza. [6]

Nas primeiras cinco tapeçarias, um ou mais dos animais são mostrados usando o sentido representado junto com a mulher. (Em "Touch", o unicórnio pode provavelmente sentir a mão da senhora tocando seu chifre em "Taste", um macaco está comendo uma guloseima em "Smell", o macaco está cheirando uma flor em "Hearing", todos os animais provavelmente ouvem o música e em ”Vista”, o unicórnio está se olhando no espelho.) Na tapeçaria final, apenas as mulheres se envolvem com o colar. A tenda azul da última tapeçaria também serve para separar as figuras humanas do mundo natural, incluindo o unicórnio mítico, e não está presente em nenhuma das tapeçarias anteriores. [6]


Conteúdo

Na pintura, Vermeer retratou o que discretamente parece ser uma jovem grávida segurando uma balança vazia diante de uma mesa sobre a qual está uma caixa de joias aberta, as pérolas e o ouro dentro transbordando. Um pano azul repousa no primeiro plano à esquerda, sob um espelho, e uma janela à esquerda - invisível, exceto sua cortina dourada - fornece luz. Atrás da mulher está uma pintura do Juízo Final mostrando Cristo com as mãos levantadas e estendidas. [1] A mulher pode ter sido inspirada na esposa de Vermeer, Catharina Vermeer. [2]

De acordo com Robert Huerta em Vermeer e Platão: pintando o ideal (2005), a imagem tem sido "interpretada de várias maneiras como uma pintura vanitas, como uma representação da verdade ou justiça divina, como um auxílio religioso para a meditação e como um incentivo para levar uma vida equilibrada e ponderada". [3] Alguns espectadores imaginam que a mulher está pesando seus objetos de valor, enquanto outros comparam suas ações às de Cristo, lendo a parábola nas pérolas. [1] Alguns críticos de arte, incluindo John Michael Montias, que a descreve como "simbolicamente pesando almas não nascidas", viram a mulher como uma figura de Maria. [4] [5] Para alguns críticos que a percebem como medindo seus valores, a justaposição com o julgamento final sugere que a mulher deve se concentrar nos tesouros do Céu em vez dos da Terra, [6] com o espelho na parede reforçando a vaidade de suas atividades. [7] Outros historiadores sugeriram que o equilíbrio representa sua cuidadosa harmonização de posses mundanas e piedade espiritual. Nessa interpretação, o espelho na parede reflete o autoconhecimento da mulher. [8]

Concluída em 1662 ou 1663, a pintura era anteriormente chamada Mulher Pesando Ouro antes da avaliação microscópica confirmar que o equilíbrio em suas mãos está vazio. [3] [9] A pintura estava entre a grande coleção de obras de Vermeer vendidas em 16 de maio de 1696 em Amsterdã na propriedade de Jacob Dissius (1653-1695). [10] Recebeu 155 florins, consideravelmente acima dos preços obtidos na época para seu Menina dormindo em uma mesa (62) e O policial e a garota que ri (aproximadamente 44), mas um pouco abaixo A leiteira (177). [11]


Colombo confunde peixes-boi com sereias

Em 9 de janeiro de 1493, o explorador Cristóvão Colombo, navegando perto da República Dominicana, viu três & # x201Cermaids & # x201D & # x2014na realidade peixes-boi & # x2014 e os descreveu como & # x201Não metade da beleza de sua pintura. & # X201D Seis meses antes, Colombo (1451-1506) partiu da Espanha através do Oceano Atlântico com os Nina, Pinta e Santa Maria, na esperança de encontrar uma rota comercial ocidental para a Ásia. Em vez disso, sua viagem, a primeira das quatro que faria, o levou às Américas, ou & # x201CNovo Mundo. & # X201D

As sereias, criaturas míticas meio-fêmeas e meio-peixes, existiram nas culturas marítimas pelo menos desde a época dos antigos gregos. Normalmente retratadas como tendo uma cabeça e um tronco de mulher, uma cauda de peixe em vez de pernas e segurando um espelho e um pente, as sereias vivem no oceano e, de acordo com algumas lendas, podem assumir uma forma humana e se casar com homens mortais. As sereias estão intimamente ligadas às sereias, outra figura folclórica, parte mulher, parte pássaro, que vive em ilhas e entoa canções sedutoras para atrair os marinheiros para a morte.

Os avistamentos de sereias por marinheiros, quando não eram inventados, eram provavelmente peixes-boi, dugongos ou vacas marinhas Steller & # x2019s (que se extinguiram na década de 1760 devido à caça excessiva). Os peixes-boi são mamíferos aquáticos que se movem lentamente com olhos semelhantes aos dos humanos, faces bulbosas e caudas semelhantes a remos. É provável que os peixes boi tenham evoluído de um ancestral que compartilham com o elefante. As três espécies de peixe-boi (índio ocidental, africano ocidental e amazônico) e uma espécie de dugongo pertencem à ordem Sirenia. Como adultos, eles têm tipicamente de 3 a 3,6 metros de comprimento e pesam de 800 a 1200 libras. Eles são herbívoros, têm um metabolismo lento e só podem sobreviver em água quente.


5. Faberg & # xE9 & # x2019s Terceiro Ovo de Páscoa Imperial

O recém-descoberto Fabergé Egg, encontrado por um comerciante de sucata em um mercado, em exibição para uma exposição na Wartski em Londres, 2014. (Crédito: Yui Mok / PA Wire / AP)

Valor estimado: $ 33 milhões Enquanto algumas das descobertas nesta lista foram compradas por menos de $ 50, o comprador anônimo desta obra de arte multimilionária pagou uma quantia bastante elevada: $ 14.000. O comprador tinha a intenção de derretê-lo, esperando que a peça valesse literalmente seu peso em ouro. Mas depois de pesquisar o ovo, o proprietário descobriu que era o terceiro de 50 criados pelo joalheiro Peter Carl Faberg & # xE9 para a família imperial russa antes que a Revolução Russa de 1917 encerrasse o reinado dos Romanov & # x2019. A partir de 1885, Faberg & # xE9 gastaria cerca de um ano inteiro (ou mais) projetando um elaborado ovo de ouro encomendado pela família real para a Páscoa. O terceiro ovo imperial, apresentado pelo czar Alexandre III a Maria Feodorovna em 1887, foi avaliado em aproximadamente US $ 33 milhões em 2011 pelo especialista em Faberg & # xE9 Kieran McCarthy da joalheria britânica Wartski. Hoje pertence a um colecionador particular.


Verdade e prudência

No entanto, enquanto a arte Vanitas floresceu, é importante explicar o outro significado simbólico dos espelhos que surgiu durante o período do Renascimento.

A figura alegórica de Prudência - uma das quatro Virtudes Clássicas - é freqüentemente mostrada segurando um espelho para significar uma conduta sábia por meio do autoconhecimento. Para o portador do espelho, poder ver-se como realmente é é um sinal de sabedoria. Portanto, Prudência é personificada como uma mulher olhando para um espelho enquanto segura uma cobra - sendo esta última derivada de Mateus (10:16) ‘Sede sábios como as serpentes’.

Como Prudência, a figura da Verdade é mostrada segurando um espelho, cujo reflexo não deve mentir. A figura da Verdade é frequentemente retratada ao lado da do Tempo, com base na ideia de que a verdade será revelada ao longo do tempo, apoiada pelo antigo ditado ‘Veritas filia temporis’ - ‘A verdade é a filha do Tempo’.

Na pintura Uma alegoria da verdade e do tempo (1584) de Annibale Carracci, Truth pode ser vista segurando um espelho, com o Pai Tempo tendo acabado de "revelá-la" das profundezas do poço de onde ele escala. A verdade irradia luz enquanto o Engano de duas faces é pisoteado.


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Мрачный взгляд Средневековья

В темное Средневековье Европа смотрелась в зеркало с опаской.
Да и что хорошего в том, что миряне вместо того, чтобы молиться & mdash подолгу себя рассматривают? Ничто так не питает Гордыню, как Самолюбование. К тому же у женщин (да и мужчин) это занятие могло поощрять далеко не возвышенные желания. Церковь и власти старались сдерживать запросы паствы! Поэтому призывали относиться к зеркалу, как к предмету роскоши, атрибуту тщеславия и самолюбования, чрезмерное увлечение которым могло привести к безумию. Церковь недвусмысленно причисляла и сам предмет, и его обладателя к нечистой силе, а лиц, экспериментировавших с зеркалами, обвиняли в колдовстве. Считалось, что, отразившись на иной поверхности, & laquoрассекаются & raquo не только тело и сердце, ности.

Однако какая, же красотка не захочет взглянуть на себя лишний раз со стороны? Так возникла острая потребность направлять легкомысленные создания на путь истинный путем популяризации добродетелей. И сюжеты аллегорий надолго заняли свое место в истории живописи.


37. O cigano adormecido:

Este cigano adormecido é uma das formas mais conhecidas de pintura a óleo, pintado em 1897 pelo artista Henri Rousseau.

Ele retrata a introspecção do leão sobre uma mulher adormecida em uma noite de lua cheia.

Rousseau exibiu inicialmente a pintura no décimo terceiro Salon des Indépendants e tentou sem sucesso vendê-la à autoridade civil de sua cidade, Laval.

Em vez disso, entrou na coleção pessoal de um empresário parisiense do carvão, onde permaneceu até 1924, depois de ter sido descoberto pelo crítico de arte Louis Vauxcelles.


Mulher penteando o cabelo diante de um espelho

Mais rápida e ricamente pintada do que a maioria das obras de Degas da década de 1870, esta cena de uma mulher penteando o cabelo oferece poucas pistas sobre a identidade de seu personagem. A artista voltou repetidamente ao tema das mulheres penteando o cabelo - dos bastidores ao bordel ao interior burguês - aproveitando a chance que isso proporcionava de retratar uma figura absorta em sua tarefa, aparentemente sem saber que está sendo observada. Degas pintou essa composição específica em cima de um quadro anterior, provavelmente um retrato, que ele virou de cabeça para baixo antes de começar de novo. A orelha esquerda do assistente escondido permanece visível na curva da cintura da figura.

Edgar Degas Estate, Paris (venda, Paris, Galerie Georges Petit, 6-8 de maio de 1918, lote 31, como "Femme se coiffant", por f. 25.000 a)
Durand-Ruel, Paris.
[Jacques Seligmann, Paris (venda, American Art Galleries, New York, 27 de janeiro de 1921, lote 24, como Femme se coiffant, por $ 2.850, para)]
[Ambroise Vollard].
[Durand-Ruel, New York, estoque no. 4670, transferido em junho de 1921 para]
[Durand-Ruel, Paris, Paris, estoque no. 13044, consignado / vendido em 30 de setembro de 1929/2 de janeiro de 1930 para]
[Rosengart Gallery, Lucerne, and Gallerie Thannhauser (no. 1420), Munich-Berlin, expedido ca. 29 de janeiro de 1935 a]
[M. Knoedler & amp Co., New York, estoque no. CA697, devolvido em 15 de maio de 1935 para]
[Rosengart Gallery, Lucerne (inv. No. 13044) e Galerie Thannhauser, Munich-Berlin (stock no. 1420), enviada para Paris pela Rosengart em 17 de junho de 1937 para]
Justin K. Thannhauser, Paris / Nova York, vendido em 1963 para
[Feilchenfeldt, Zurique, vendido em 1963 para]
[M. Knoedler & amp Co., estoque de Nova York no. A8528, como Femme se Coiffant, vendido em 18 de janeiro de 1968 para]
4º Marquês de Hertford (1800-1870), adquirido em 1861/1863, por herança a
Sir Richard Wallace (1818-1890), por herança a
Lady Wallace (falecida em 1897), por herança a
Sir John Murray-Scott (1843-1912, por herança a
Victoria Sackville-West, Lady Sackville (1864-1936, esposa do 3º Barão S.), vendida em 1914 para
[Jacques Seligmann, Paris].
[?]Sra. George F. Baker.
Sr. e Sra. Alfred (Lady Wallace) Löwenstein, Bruxelas e Londres em 1930.
[E. Speelman, Londres vendeu 21 de dezembro de 1949 para]
[Thos. Agnew & amp Sons, Ltd., Londres, estoque nos. 0190 e 0191, vendidos em 18 de julho de 1951 para]
M. T. (Sra. Richard) Warde, Londres (venda, Londres, Christie’s, 19 de março de 1965, lote 70, Illinois, como The Interrupted Supper).
[Arthur Tooth & amp Sons, Londres, estoque nos. 7752 e 7753, como Le souper interrompu, vendido em 9 de abril de 1967 para]
Norton Simon Art Foundation.

NARRADOR:
Edgar Degas freqüentemente retratava mulheres se arrumando. Aqui, ele nos oferece um olhar íntimo de uma mulher arrumando os cabelos diante de um espelho, absorta em seu próprio reflexo. Ela está completamente alheia à nossa presença. Seu cabelo escuro e corpete branco realçavam os tons cremosos de seu rosto, seus lábios vermelhos adicionando uma centelha de cor. Degas comparou cenas como essa a olhar pelo buraco da fechadura, fazendo-nos sentir como voyeurs espiando sem conhecimento ou permissão.

A atitude de Degas em relação às mulheres costuma ser descrita como misógina. Raramente retratando-os como indivíduos, ele os retratava em poses incomuns e estranhas, com os rostos escondidos. No entanto, ele também nos aproximou mais do que qualquer outro artista antes dele da vida cotidiana dessas mulheres - tomar banho, vestir, passar roupas. Ele nos mostra suas atividades mais privadas, mas as fazia parecer distantes e misteriosas.

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